中文名：吉他
外文名：guitar
吉他谱：弦谱，TAB谱，五线谱，简谱
类 别：电吉他，古典吉他，民谣吉他等
适 用：流行，摇滚，蓝调，民歌，古典等
发源地：西班牙
应用学科：音乐学、音乐表演
代表人物：索尔、塔雷加、塞戈维亚
意大利语：Chitarra
吉他（英语：guitar，港澳称结他，又称“六弦琴”），是一种弹拨乐器。通常有六条弦，形状与提琴相似。吉他在流行音乐、摇滚音乐、蓝调、民歌、弗拉门戈中，常被视为主要乐器；在古典音乐的领域里，吉他常以独奏或二重奏的型式演出；在室内乐和管弦乐中，吉他亦扮演着相当程度的陪衬角色。古典吉他与小提琴、钢琴并列为世界著名三大乐器。
历史沿革
起源
吉他的祖先，可以追溯到公元前两三千年前古埃及的耐法尔，古巴比伦和古波斯的各种古弹拨乐器。考古学家找到的最古老的类似现代吉他的乐器，是公元前1400年前生活在小亚细亚和叙利亚北部的古赫梯人城门遗址上的“赫梯吉他”。8字型内弯的琴体决定了吉他属乐器特有的声音共鸣和乐器特点，这也成为吉他与其它弹拨乐器的最显著特点。
发展
在十三世纪的西班牙，由波斯语逐渐演化成的西班牙语吉他一词就已经形成，在当时种类繁多的乐器中，已经出现了“摩尔吉他”和“拉丁吉他”。其中摩尔吉他琴体为椭圆形背部鼓起，使用金属弦，演奏风格比较粗犷；拉丁吉他琴体为与现代吉他类似的8字型平底结构，使用羊肠弦，风格典雅。
文艺复兴时期是吉他的鼎盛时期。十六世纪四对复弦的吉他和它的近亲——用手指弹奏的比维拉琴，在演奏与创作方面都达到了很高的水准。吉他和比维拉琴不仅深受民众喜爱，而且还常常成为宫廷乐器。当时的吉他、比维拉大师有米兰、纳乐瓦埃斯、穆达拉，以及十七世纪时五组复弦的巴洛克吉他时代大师桑斯、科尔贝塔、维赛等。他们的许多作品现在仍是现代古典吉他曲目中的不朽财富。当时吉他、比维拉琴等乐器所使用的记谱方法还不是现在的五线谱，而是用横线来代表各弦，用数字或字母表示音位和指法，与现在民谣吉他中使用的六线谱类似的图示记谱法。
当时著名的鲁特琴大道兰和魏斯等人的作品经后人改编，在今天的古典吉他曲目中占有重要的位置。伟大的巴洛克音乐集大成者巴赫所创作的不朽作品如大提琴、小提琴组曲、奏鸣曲的吉他改编曲，在古典吉他曲具有不朽的价值。十八世纪后期鲁特琴和比维拉琴逐渐退出了历史舞台，五对复弦和其后出现的六对复弦吉他也渐渐完成了它们的历史使命。1800年前后，全新的六根单弦的吉他以其清晰的和声及调弦方便等优点很快得到了几乎全欧洲的青睐，古典吉他的黄金时代终于到来了。
吉他常用调式音阶图
十九世纪初，活跃在当时吉他音乐中心巴黎、维也纳还有伦敦的最著名的吉他大师有费尔南多·索尔、迪奥尼西奥·阿瓜多、莫罗·朱利亚尼和卡尔卡西。其中索尔和朱利亚尼除了是吉他大师外还是出色的音乐家，他们以杰出的才华为六弦古典吉他创作了包括协奏曲在内的第一批大型曲目，为六弦吉他日后的发展奠定了基础。尤其索尔在创作上承袭弗朗茨·约瑟夫·海顿、沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特的古典音乐传统，除写作歌剧、舞剧音乐外，还为吉他创作了包括系统的练习曲、教程在内的大量优秀作品，被音乐评论家称为“吉他音乐的贝多芬”。
十九世纪后期著名的吉他音乐家有考斯特、默茨、卡诺、雷冈第等，他们为吉他创作的很多优秀作品都成为了十九世纪吉他音乐的经典。吉他能在二十世纪蓬勃发展并达到前所未有的辉煌，在很大程度上应归功于“近代吉他之父”泰雷加对吉他从制做、乐器性能、演奏技术直至曲目等各方面的深入研究和革新。泰雷加和他的老师阿尔卡斯一直致力于与吉他制作家托雷斯合作，并最终生产出了琴体扩大、音量增大、乐器性能明显改善的现代古典吉他。
源流与发展
电吉他
古典吉他（尼龙线）
民谣吉他（钢弦）
“吉他”一词，来自英语“guitar”的音译。而自古至今，即便是使用不同的语言文字的国家，对于这个乐器的称呼，都有相似的发音，例如：西班牙语，guitarra；法语，guitare；德语，Gitarre；意大利语，chitarra。而“tar”这个字根，则是出自梵语，在波斯（今伊朗）及北印度一带，有“弦”的意义；后来这个语词的流传，又经历了古希腊的 kithara（cithara），阿拉伯语的 gitara，以及古法语的 guiterne，最后才演变为现代英语 guitar。
追本溯源
吉他虽然是一种古老的弹拨乐器，但关于它的起源却是众说纷云，目前所知道的说法有三种：第一种就是前面所描述的，源自欧洲古希腊的西塞拉琴 kithara（Cithara）。第二种，是美索不达米亚平原的长颈鲁特琴演变说。第三种则认为，吉他是演变自古埃及的哥普特琉特琴（Copric Lute），由当时的阿拉伯－摩尔人传入欧洲，并逐渐演变成的今天的吉他。早期有关音乐的文献，大部分都已散佚，因此在没有确切证据的情况下，吉他的起源仍是没有结论，但它久远的历史，则是显而易见的。在埃及的许多考古资料中，曾经发现四种很像鲁特琴的乐器，因此就有学者认为，这种乐器就是吉他的前身。早在纪元前一世纪左右，也有学者在今印度、巴基斯坦附近的石雕上，发现貌似吉他的鲁特琴，而这种鲁特琴又比埃及鲁特琴还要像吉他，因此也有学者认为，吉他便是经由印、巴一带流传到欧洲。
吉他的分类
双颈吉他
吉他可概略分为两大类：其一，是历史悠久，以木制共鸣箱扩音的木吉他。其二，是发明于二十世纪，以拾音器加上扬声器来扩音的电吉他。木吉他常被用于古典音乐、民间音乐及流行音乐的演奏或伴奏。电吉他则是在摇滚乐、蓝调、爵士乐及流行音乐中，占有其特殊的地位。而电吉他的发明与问世，对西方流行文化及音乐发展也有很重要的影响。然而，随着电子科技与工艺技术的进步与结合，吉他的面貌及内涵，又有了更多的转变。现代的吉他，依据其构造方式、发声原理、功能取向的不同，又可以再细分：
夏威夷吉他：包括夏威夷吉他和电吉他，定弦和姿势弹奏方法与西班牙吉他完全不同，以弹奏旋律为主，声音优美。
西班牙吉他，分为三类：
古典吉他：又名西班牙吉他，又名西班牙古典吉他。主要演奏古典乐曲，技巧丰富，艺术性很高，主要使用尼龙弦，声音柔和典雅。
民谣吉他：主要为歌曲伴奏或自弹自唱，可以用手指或拨片（pick匹克）弹奏，娱乐性很高，采用钢弦，声音明亮。
弗拉门戈吉他：发源于安达卢西亚地区，过去为舞蹈和歌曲伴奏，后来借鉴古典吉他技巧，艺术性得到提升可以独奏，外形和古典吉他类似，采用尼龙弦。
电吉他 ：第一把电吉他是在木吉他的基础上加装拾音器连接扬声器来扩大音量，后来大多都采用实心吉他（爵士乐还是有继续使用空心电吉他），是现代流行音乐和摇滚乐中重要的伴奏和独奏乐器。
基本构造
形状特点
吉他构造
吉他（意大利语：Chitarra），又译六弦琴。其面板与背板都是平的，琴腰部一般无角而往里凹，古典吉他一般无凹陷。琴颈很宽，长，指板上有弦枕并装有很多窄而稍向上凸起的金属制的横格，称之为“品”，它把琴弦划分为许多半音。
作为乐器家族中弦乐器的一员，吉他是一种通过拨动上面一根根的琴弦发出声音的有弦的演奏乐器。弹奏时用一只手拨动琴弦，另一只手的手指抵在指板上，后者是覆盖在琴颈上的金属小条。弹奏出来的声音会通过吉他的共鸣箱得到增强。
适用风格
吉他被用于多种音乐风格， 它在流行音乐、摇滚音乐、蓝调、民歌、弗拉门戈中常被视为主要乐器。吉他也曾被于用古典音乐，有大量的独奏曲， 室内乐和管弦乐中偶有使用。它通常有六弦，但亦有四弦、八弦、十弦和十二弦。吉他主要有两大类：一是历史悠久、以木制共鸣箱扩音的木吉他；二是二十世纪被发明、以电扩音器扩音的电吉他。原声吉他有四种：平面吉他（在中国也叫民谣吉他），拱面吉他（又名爵士吉他），古典吉他和弗拉门戈吉他。木吉他通常被用于古典音乐、民间音乐及流行音乐。电吉他则通常被用于摇滚音乐、蓝调及流行音乐。电吉他的发明对西方流行文化及音乐有重要影响。
吉他家族中最“贵族”的古典吉他与小提琴、钢琴并列为世界著名三大乐器。
构造
木吉他
现今常见的木吉他，普遍都是六条或十二条琴弦，但亦有四弦、八弦、十弦的型式。而其整体由“琴头”、“琴颈”、“琴身”三大部分所组成。
琴头（Head）
琴头的主要作用，在于支撑吉他前端的琴弦张力。而在外观的设计上，琴头正面多半会印有吉他的品牌标志；有些定制的吉他，则会在琴头嵌上装饰图案；有些吉他则会在琴头外缘嵌上护边。琴头与琴颈交界之处，也是很脆弱的部位，很容易因为碰撞而发生断裂。
弦钮
弦钮（Tuning Heads）：有齿轮式及油压式两种，主要用来调整琴弦的张力。琴弦张力愈高，声调也愈高，反之则愈低。弦钮的材质，以塑胶-金属、木材-金属的组合较为常见。
黄铜材质之上弦枕
上弦枕（Nut）：置于琴头与琴颈的交接处，主要用来维持吉他前端琴弦和指板间的距离。弦枕上会有浅沟用以固定琴弦位置，防止滑动。弦枕的常见材质，有塑胶、驼骨、牛骨、塑钢以及金属等。
牛骨材质之上弦枕
琴颈
琴颈和指板的材质与音色息息相关。枫木（maple）琴颈能产生明亮的声音，并大大增强大琴体吉他的高频表现，而桃花心木（mahogany）则会将整体音色变得更为温暖，更具木质感。
指板：指板也对整体音色有所影响，虽然它的作用就像蛋糕上的糖衣，而不是蛋糕本身。巴西玫瑰木，以及与它相近的热带雨林类似木种，能增加亮度与延音，而印度玫瑰木则能够让中频更肥厚。基本上只有黑檀木（Ebony）可以用在音乐会琴上，上品的黑檀木颜色乌黑而带光泽，密度及硬度均十分高，作为指板也确实是很好的材料。产地以非洲的较好，而其他热带地区亦有生产，但一般均缺少光泽，密度亦稍有不如。
琴身（Body）
亦可称为共鸣箱，木吉他赖以发声的关键之处，其整体系由面板、侧板及背板所接合而成。相较于琴头与指板，琴身的面积较为宽广，因此也是厂商常用来展现吉他装饰艺术的重点部位。面板与背板皆是平面，但有部分木吉他因为外观设计、声响效果或木材用料的因素，其背板会有些微的弧度。而面板、侧板及背板的木料选用，则是影响吉他音色与响度的决定性因素。
面板（Top）：吉他琴体的每个部分各有所长，只是影响有深有浅，一般观点而言，决定吉他音色表现的因素中，面板，似乎造就了琴体对于弹奏的反应，反应的速度、延音的长短、泛音的音色，以及每个音符基本音色的力度和质感。多数制琴师认为，面板用材对于乐器的音色，有着决定性的影响。常见面板材料如：桃花心木（mahogany）、紫檀木（rosewood）、枫木（maple）、黑坛木（ebony）以及云杉木（spruce）。
面板可分为单板及合板，单板是由一整块完整的木材所制成，音色与各方面表现都远大于合板；合板是由质量较差的木材或是木屑以人工的方式压合而成，音色与各方面表现较差，但因售价便宜，常用于给初学者的入门琴，其特色是琴身会经过喷漆上色，色彩较为多样化，而单板琴多数不会这样做（漆会影响音色的表现），而是显现木材的原色。
琴桥
琴桥（Bridge）：与指板一样，多是以质地坚硬且密度高的木料制作，主要用来支撑吉他的后段琴弦张力，并透过下弦枕把琴弦的振动传递至面板。琴桥上会有一个细长型的沟槽，用来放置下弦枕及拾音器；另外也会有数个圆孔排成一列或二列，用来安装琴弦及弦钉；而圆孔的个数，则是依琴弦数量来决定。如同指板与音色的关系一般，琴桥的用料，对于整体音色没有太大作用，但是对于琴体其他部分的音色，有所加强或影响。而琴桥在面板上的位置，是决定吉他音准的因素。
牛骨材质的下弦枕
下弦枕（Saddle）：常见的制作材料为塑胶、兽骨（牛骨、驼骨、象牙）或是塑钢与金属。下弦枕对吉他音色的影响程度，占大部分，其主要作用是将琴弦的振动传递至琴桥，并决定琴弦与指板的间距。（弦枕工艺坊）
以黑坛木制作的弦栓
弦钉（Bridge pin）：亦称为弦栓，多以塑胶制作，所反映音质最差。市面上亦有黑檀木或其它材质的弦钉，其作用是固定安装在琴桥上的琴弦及传递弦上的震动去琴身而产生音响。弦钉材质对吉他音色的有一定的影响,部分吉他厂牌使用无弦钉设计。
响孔（Sound Hole）：吉他发声的主要部位，当琴弦振动时，其振动所产生的声音频率，会透过下弦枕传递至琴桥，再由琴桥传递至面板，接着再扩散至侧板及背板，最后在琴身内部逐渐形成共鸣，并透过背板将声音反射到响孔外。
电吉他
运用电磁学原理，切割拾音器上磁感线引起不同频率的电流，再利用音箱还原电流的电子乐器。
琴头（Head）
琴头上主要是为了安装卷弦器，而且琴头上还显示了吉他的品牌、生产日期及编号等信息。
琴颈（Neck）
琴颈上面有一个个琴格，用来调节吉他的音程，琴颈的形状一般有U字体和三角形。像fender的吉他一般有21个琴格，gibson的吉他有22个琴格，现在很多吉他已经有24个琴格了，应当根据自己的需要购买适合自己的吉他。
琴身（Body）
以琴身形状来区分，主要可分为LP、ST、TELE、SG、V等形状。
若以特性来分，大略可分成空心（hollow body）、半空心（semi-hollow body）、腔心（chambered body）、实心（solid body）琴体之电吉他，以及各种材质制成之琴体，都与弦的共鸣略有差异，使得弦被捕捉到声音各异其趣。而实心电吉他最早被爵士乐手兼发明家莱斯·保罗设计出来是为了解决半空心吉他较容易出现回授的问题。
实心琴体的电吉他在往后更进一步的影响了近代音乐的发展，由于对琴体本身的依赖性较不如木吉他，在造型上通常能获取较大幅度的自由。
空心、半空心、半实心由于经常地使用在爵士乐上，所以又常被称为爵士吉他。
琴桥（Bridge）
常见的琴桥有固定式、大摇座、小摇座。
拾音器（Pick-up）
感应弦的振动并将之转化为电子信号之设备。可粗略的分为单线圈（singal coil）、双线圈（humbucker），双线圈又可分封闭式及开放式，并有被动式及主动式之差异。
被动式为一般传统只靠感应起电之电流做为信号发出之拾音器，主动式为了减少对噪声的接收，本身的感应力通常不若被动式，但此同时又造成了信号不够强烈，所以再加上了一枚电池给电以增强信号。而一般电吉他会配置一至三个拾音器，配置在琴体上不同的位置，会有略异音色表现。
表演风格
古典风格：使用古典吉他 弹奏，可说是吉他演奏中艺术性最强的一种，对于弹奏姿势及单音的音色处理特别讲究，通常以独奏或二重奏的方式来演奏传统的古典音乐。
民谣：使用民谣吉他（钢弦吉他）弹奏，最早是美国西部乡村音乐的伴奏乐器，现今多用于流行音乐的歌唱伴奏，可以说是最为普遍的吉他弹奏类型。
弗拉门戈（Flamenco）：一种发源于西班牙南部的艺术形式，具有强烈节奏性，带给人们热情奔放的感受。除了吉他的演奏之外，通常还会伴随歌唱及舞蹈来表现，其音乐风格亦有浓厚的拉丁民族特色。
指弹风格（FingerStyle）：不限弹奏的吉他种类，也不限弹片的使用。此种弹奏风格，可说是集古典吉他、民谣吉他，再加上少部分电吉他弹奏手法与技巧于一身的综合体，因此指弹吉他在乐曲声响效果的表现上，可说是相当地多丰富且多元。除了古典乐曲、流行歌曲的改编与演奏之外，在另一方面，更有演奏家创作了许多有个人色彩的乐曲如押尾光太郎，郑成河，岸部真明,Marcin Patrzalek, Andy McKee , don ross , okapi ，小松原俊，伍伍慧等等. 同时指弹也派生出了很多技巧比如Am(attack mute )(nail attack) pm(palm mute） thumb attack 等等
法朵：发源于葡萄牙的一种传统民歌。
摇滚风格（Rock）：使用电吉他弹奏，起源于1940年代美国，配合爵士鼓、低音吉他（贝斯）、人声演出，弹奏方式依据分类而有所不同，大部分皆注重节奏感及速弹等技巧。
技巧
滑音（Slide）：按著某一格并播出声音后，按弦手指或滑音管在琴弦持续上下滑动，使用滑音管吉他的演奏手法源于十九世纪美国小酒馆中蓝调乐手以酒瓶制造出独特的响声。
捶弦（Hammer-On）：以持颈之手手指击打琴弦。
点弦（Tapping）：槌弦之外加上拨奏之手手指击打琴弦，此演奏技巧以埃迪·范·海伦为典范。
勾弦（Pull-Off）：手指击打琴弦之后，紧接着拨动琴弦。
推弦（Bending）：拨动琴弦后，压弦的手指或上或下的扯紧琴弦来提升音高，常见于蓝调类型音乐的演奏手法。
颤音（Vibrato）：如同推弦，但不推弦至持续的指定音高，而是以该品格的音高为基准制造连续的起伏，作法为压弦手按住琴弦，快速摇动。
摇杆（Vibrato Bar）：摇杆通常加装在电吉他上，通过对摇杆的操作可以改变乐音的高低，摇杆前倾可使弦的张力减低，音高下降，反之上升，而通常只有大摇座型的摇杆可以做到后倾的动作。
自然泛音（Natural Harmonics）：拨奏之后，一般以持颈之手手指触摸琴弦以分割和倍化频率，指奏法则常使用拨凑之手的拇指拨弦，食指触弦。
人工泛音（Artificial Harmonics）：原理同自然泛音，通常是在使用拨片时，在拨奏的瞬间大拇指内侧的指肉触及琴弦来引发泛音，是为了更快速的获取泛音效果而派生的技巧，因为分割点不同于自然泛音，所以音高与同品位的自然泛音不同。
琶音（Arpeggio）：将和弦内的每个组成音个别的弹奏出来，这种技巧后来进一步催生了扫弦。
扫弦（Sweep Picking）：常见于电吉他速弹上，扫弦是一种表现琶音的方式，实际上并不拘限于以合弦内音构成，而琶音亦不一定要由扫弦表现，弹奏时拨片像是刷合弦一般的迅速掠过各琴弦，另一手手指按过该合弦的组成内音的琴格。
打弦（Slap）：多用于低音吉他（Bass）以及放克乐风上，这种技巧始源于早先为了弥补乐团出缺少鼓手给予一个明显的主节奏。
回授（Feedback）：在电吉他或装设拾音器的木吉他上使用的技巧，做为一种特效被使用着，最早仅是常出现在半空心电吉他麻烦的问题。
琴弓（Bowed Guitar）：在吉他上使用提琴弓或是其它弦乐器的琴弓，大多数吉他后琴桥没有曲线，琴弦多半落在相近的水平高度上，使得拉奏各弦较提琴不易，使用此技巧较为人知的有吉米·佩奇和Jón Þór Birgisson。
颤指（轮指）：古典吉他最迷人的演奏技巧之一，指先后以弹奏手手指拨掠过琴弦。其中塔雷加（Tárrega）的《阿尔罕布拉宫的回忆（Recuerdos de la Alhambra）》是轮指奏法的代表作。
打板 ：敲打琴体的各部位的不同响声，通常在空心吉他上表现这种带有打击乐器特色的技巧，常作为弹奏的转折桥段或用来表现节奏。
右手闷音（Right Hand Muting）：以右手（拨弦手）手掌轻轻盖住下弦枕附近的弦并拨弦，使音色较不明亮，常用于电吉他弹奏。
左手闷音（Left Hand Muting）：以左手（按弦手）手指轻轻压在弦上并拨弦，发出没有音高的扣击声；或拨弦后松开左手，使旋律中断，常用于电吉他弹奏。
自然泛音闷音（Natural Harmonic Muting）：以一只左手（按弦手）手指轻轻压在弦上（通常为低音弦）并拨弦，发出高音的泛音，此技巧的泛音不太在意音高为何，常用于电吉他弹奏。
速弹（Shred guitar）：常见于电吉他的技巧，以十六分音符并用高速快速弹奏，使用方式诸多。
Am技巧（attack mute 或 nail attack)AM技巧，是利用右手中指无名指去击打琴弦并加上小指打板，食指回扫完成的一系列动作及声音效果。 首先将手拱起放于琴弦上方，手的发力点是中指与无名指的大关节处；其次，小指敲板的同时，微微收着的中指和无名指，借着挥动的力量，用弹出的指甲盖部分顺势击弦，同时拇指和食指有一个向外张开的动作然可以衔接拨弦或扫弦. Am 技巧的代表作有 押尾光太郎的fight ，月亮的眼泪和中国指弹演奏家的无题。
pm技巧 在大鱼际打到面板的同时，用中指或者和无名指一起用指甲盖弹击弦。然后用食指往上拨然后用手指、指根和一点的手掌拍在弦上让弦击到指板，然后把以上3个动作排出不一样的顺序然后变成一个组合就是pm节奏型代表有押尾光太郎的landscape。
社会影响
吉他由于其音色优雅，简单易学，有着极富个性的音色和表现手法，既能表达委婉动人的喃喃细语，也能表达大气磅礴的豪迈气概，让多少人为之魂牵梦萦；一把空心木吉他，拨动那六根金色的琴弦，就可以洋溢着青春气息的轻快旋律，弹奏出舒缓人心的音乐空间，可以表达出喜怒哀乐，也可以培养庄重优雅的气质魅力，美妙的音色及潇洒的弹奏更能添加其个人魅力，深受广大青年的喜爱。从性能上说，吉他的音色优美，表现力丰富，可以弹奏各个音乐时期的乐曲，演出形式有独奏、重奏、协奏以及伴奏。与钢琴相比吉他的性能有过之而无不及。唯一一点是吉他的音量小不及钢琴，但对于生活在人口密集环境下的现代人来说，小音量的乐器在练习中不会扰民从而在练琴时间上可以有更多的选择。它是当今流行音乐的主乐器之一，享有“乐器王子”的美誉。古典吉他与小提琴、钢琴并列为世界著名三大乐器。
知名吉他手
费尔南多·索尔
中文名：费尔南多·索尔
外文名：Fernando Sor
国 籍：西班牙
出生地：西班牙巴塞罗那
出生日期：1778年2月14日
逝世日期：1838年7月8日
职 业：作曲家、吉他演奏家
代表作品：《魔笛主题变奏曲》、《大独奏曲》、《伟大的独奏》、《月光》、《嬉游曲》
费尔南多·索尔，1778年2月14日出生于西班牙巴塞罗那，是西班牙古典乐派作曲家、吉它演奏家。
自幼学习吉它，少年时代已很有造诣。十九岁时在巴塞罗那上演所作歌剧。此后曾在马德里、巴黎、伦敦、莫斯科等地演奏吉它，同时大量创作音乐作品。1827年后定居巴黎，从此一心研究吉它艺术。
个人经历
童年
费尔南多·索尔,1778年2月的某一天出生在一个家境还算不错的家庭里。确切的日期已无从考证，但我们知道，他是在2月14日在西班牙的巴塞罗纳接受的洗礼，当时所用的名字是“约瑟·费尔南多·玛卡鲁里奥·索尔斯”。
由于索尔家庭的社会地位，索尔依从家人的希望，开始了他的军人生涯。而当他父亲向他介绍意大利歌剧的时候，他也开始深深地爱上了音乐。这也对他后来的音乐作品产生了很大的影响。
索尔的父亲也是将吉他带进索尔生活的人。当索尔仅仅8岁时，他就已经是一个十分优秀的吉他演奏家和音乐家了。凭着他如此年幼便显现出来的音乐天份，他得以进入蒙特沙拉修道院接受音乐训练。
青年
索尔在蒙特沙拉修道院学习音乐和其它对他军事生涯有用的课程。但是他的父母并不希望索尔以音乐为职业，而是到军队中去成为一个行政官员。在他18岁的时候，他的父亲去世了，由于他的母亲无力再维持索尔在修道院的学习，索尔回到了巴塞罗那。之后，他收到了委任书，在军队里有了一个领干薪的挂名职务。有这样一个位置对索尔来说是非常幸运的，因为它可以给索尔提供机会和时间去写一些歌剧和早期的吉他作品。索尔很可能就是因为他在钢琴和吉他上的造诣而在军队里晋升了上尉军衔，因为一般认为，音乐在西班牙的军队里是很受鼓励和重视的。经过了4年的军校生活，索尔在1800年左右来到了马德里。在马德里，索尔结识了他的第一个赞助者——著名的阿尔巴公爵夫人。这位公爵夫人同时也是西班牙著名画家戈雅的赞助人，她并不象其他热衷于艺术的贵族一样去要求艺术家专门为他们创作作品。她在她的家里为索尔提供了一间书房，并让他以自己合适的速度去写自己喜欢写的作品。
展露才华
1808年，盛极一时的拿破伦军队入侵了西班牙。而这正是索尔开始写更多吉他音乐的时期。这个时期他留下的多数作品都是带有国家主义色彩的人声吉他伴奏或吉他独奏。这些歌曲都是为了鼓舞西班牙军队和国民而作的。不管大部分人如何认为，索尔的确是个虔诚的爱国者。在西班牙军队战败后，索尔接受了新的法国政府提供给他的一个行政官员的职位，这是索尔音乐生涯的最大的低潮期。这也许是因为索尔并不愿意为侵略政府服务。但是索尔是一个很实际的人，他会违心地去做一些他不得不做的事情。
几年以后，西班牙军队最终把法国人赶出了西班牙，又由于在法国，索尔有很多要好的艺术家和贵族朋友，索尔也被迫离开的自己的祖国，并再也没有回来。自从1813年离开西班牙以后，索尔就一直把巴黎当作了自己的家，索尔的大部分吉他作品也是在这里创作的，至今现存的有100余部。
索尔除了是个优秀的作曲家之外，也是一个有着极高才华和演奏技巧的演奏家。他的足迹几乎遍及整个欧洲和亚洲，并且处处被视为贵宾。他曾经到过俄国及其邻国，在圣彼得堡、莫斯科、柏林和华沙举办音乐会。尤其是当索尔在莫斯科首演他的芭蕾舞剧“Cendrillion”时，他在艺术上的成就得到了公众和评论家的一致认可。索尔也曾到过伦敦，并且从1815-1823的八年时间里一直在那里居住和工作。他的歌剧和钢琴作品都在英国得到了很高的评价，他也有4部芭蕾舞剧是在伦敦创作的。当地的一位声乐评论家这样说到：“索尔先生的声乐作品是如此的受人欢迎，以至于他的每一部抒情小曲的出版都会比Waverly的一部新小说的出版造成更大的轰动。”
黄金时期
索尔对音乐贡献最大的时期是在我们所谓的“退休”之后，他在1827年左右决定停止在世界各地的访问和表演，在巴黎渡过余生。就在这一时期，他写出了97首不同的练习曲以及“莫扎特魔笛主题与变奏”等后人印象最为深刻的作品。而后者更是有可能是索尔所创作的最伟大也是最难于演奏的作品，演奏者必须有极高的技巧和音乐艺术鉴别力才能很好地驾御这首乐曲。
也是在这一时期，索尔写出了至今仍被称颂的古典吉他教本。这部1830年出版的教本体系非常完整而实用，被评论家称为“关于吉他演奏的最伟大的著作”。在这部著作中，索尔介绍了双手在演奏中的位置和感觉、右手的指甲和正确触弦、以及用怎样的演奏姿势才能即获得对吉他最完全的控制和又能够使演奏者最大程度的放松。
索尔在这段时间里，也经常举办公开的音乐会，但正象他的创作一样，他的演奏也越来越多地集中在了他自幼便最为钟爱的吉他身上。索尔对吉他是如此的喜爱，以至于他在他生命的最后几年里，集毕生心得，不仅写出了伟大的吉他教本，而且还亲自依照本教本教授学生。当索尔第一次到巴黎的时候，吉他几乎是在一夜之间就迷住了所有的市民。在他永久的返回巴黎之后，他更是花了很多时间在教学上。虽然索尔有很多学生，尤其是在巴黎。但是无论是他还是他的学生，都没有能够留下录音。因此，我们对他的学生了解很少。但就在我们很少的资料中，我们就发现了象阿根廷解放军中的圣·马丁这样的著名人物。
另外，索尔在他的教本中还提到了他的两名学生，这就是玛丽·珍妮·波蒂特和密斯·沃恩怀特，她们当时都是年轻的英国女孩。从索尔的教本中可以看出，他对她们在吉他上的造诣给予了很高的评价。
暮年
索尔生命的最后两年无疑是在悲伤中度过的，他在1837年夏天失去了他心爱的女儿，从他所写的最后一部交响乐就可以看出，索尔处在极度的消沉和沮丧之中。一位当地的记者记录了索尔为女儿举行弥撒的过程。索尔亲自演奏钢琴，在他女儿坟墓的上空，乌云逐渐聚集，以至暴雨倾盆。
两年后，索尔去世了。他为世人留下的宝贵遗产两百多年来历久弥新，吉他因为有了索尔而获得了强大的生命力。他把吉他从一个不为人知的音乐社会的底层，带到了一个她从未达到过甚至是想象过的高度！
主要作品
费尔南多·索尔作品主要为吉它奏鸣曲、变奏曲、练习曲等。作品风格属于典型的古典乐派，旋律优美，和声丰富，为吉它艺术开创了一个崭新的时代。后人曾称赞他为“吉它史上的贝多芬”。
代表作品
有吉它独奏曲《魔笛主题变奏曲》、《伟大的独奏》、《月光》（原为《b小调练习曲》）等。
人物评价
主要影响
吉他原本只是一件和古典音乐毫不相干的酒吧乐器。在十九世纪早期，索尔就开始投身于把吉他的地位提高到最高的音乐层次的努力之中。索尔是近 200年来最多产的古典吉他作曲家和倡导者之一。安德烈斯·塞戈维亚正是沿着索尔以及其他象索尔一样的音乐家开辟的道路，最终使吉他成为了像今天这样有极高声望并且受人尊敬的乐器。
同期比较
西班牙的阿瓜多和意大利的卡路里都是与他同时代的吉他音乐家，但与他们不同的是，索尔的吉他作品是把音乐性放在第一位的。阿瓜多和卡路里都为吉他写过很多很多的作品，这些作品，尤其是练习曲都对提高吉他的演奏技巧有很大的帮助，但同时，这些作品的音乐性却与它们的教育性不能相提并论。但是，索尔的大量练习曲却不仅仅有着很好的技巧练习价值，而且都有其完整的音乐性，以至于直到今天，它们还大量的出现在音乐会和CD之中。索尔同时又和音乐大师贝多芬和舒伯特一样，有着令人难以置信的写作难忘旋律的天赋，出于对索尔音乐才华的肯定，他也被称做“吉他音乐的贝多芬”。但有的评论家认为，将索尔与为钢琴演奏技巧的发展作出贡献的车尔尼相比更为合适。
后世影响
费尔南多·索尔，也许是古典吉他的所谓“第一黄金期”中的最知名的吉他音乐家了，在他所到过的整个欧洲，乃至所有他去过的地方，吉他的声望都会象野火燎原般的提升。在他去世之后，吉他就又进入了一个20年的沉寂期，索尔也渐渐的被人淡忘了。
虽然索尔也写了很多其它形式的音乐作品，如钢琴、歌剧、芭蕾舞剧等等，但是给人们留下的印象最深的还是他在吉他方面的造诣，他的练习曲和其它吉他作品构成了一个完整的古典吉他教学和演奏体系。
索尔在他的一生之中以及他死后，都获得了太多太多的赞美，而威廉·钮曼则把索尔的所有音乐才华都高度概括在了一段短评之中：“索尔的吉他奏鸣曲的创造性很强，作品完好的体现了那些新鲜、与众不同而且并不拘泥于乐器本身的音乐思想。和声精巧、变化丰富，曲调变化之中频繁而适时的对位使得结构自然而有趣。他的奏鸣曲的第一个快板乐章总是在保持海顿和波凯里尼的风格的基础上，表现出很大的灵活性。尤其是在他的作品22号中，采用了典型的交响乐的结构，而在他的第三和第四乐章，又很好地借鉴了海顿的小步舞曲和回旋曲的特点。
吉米·亨德里克斯
詹姆斯·马歇尔·亨德里克斯（英语：James Marshall Hendrix，1942年11月27日—1970年9月18日），昵称为吉米·亨德里克斯（Jimi Hendrix），原名强尼·阿伦·亨德里克斯（Johnny Allen Hendrix），生于美国华盛顿州西雅图，是一位著名的美国吉他手、歌手、音乐人，虽然他的主要音乐生涯只持续了4年，詹姆斯仍被公认为是流行乐史上最重要的电吉他手，也是20世纪最著名的音乐家之一。 摇滚名人堂形容他是“摇滚乐史上最伟大的乐手”。 1967年Melody Maker 读者投票选出的流行音乐家，1968年滚石杂志的年度最佳表演者，Disc(magazine)1969年世界顶尖音乐家，1970年吉他手 （页面存档备份，存于互联网档案馆）将他命名为年度最佳摇滚吉他手，1992年吉米·亨德里克斯被引入摇滚名人堂 [1] ，并于2005年引入英国名人堂。2003年滚石杂志评选史上最伟大一百位吉他手，吉米·亨德里克斯被评选为第1名[2]， 2011年滚石杂志一百大吉他手再次评选他为第1名[3]。
早年生平
Hendrix生于华盛顿州的西雅图，出生时被取名为Johnny Allen Hendrix，他的父母是Al Hendrix和Lucille Jeter。他的父亲在第二次世界大战退役之后将他改名为James Marshall Hendrix。Hendrix幼年时个性敏感且害羞。与他同年代的音乐家约翰·蓝侬和保罗·麦卡尼一样，Hendrix受到家庭影响很深。他的父母在1951年离婚，他的母亲在隔年过世。他非常喜欢猫王（亨德里克斯十五岁，也就是1957年，看了9月1日猫王在西雅图Sick's体育场举办的演唱会，两个月后他创作了一幅内容为猫王演奏吉他的水彩画，这幅画在City's Rock博物馆）。亨德里克斯跟他的祖母Nora Rose Moore非常亲近。Nora的父亲是一位自由民，母亲是一位非裔血统的切罗基人[4]。她对Hendrix灌输了强烈的概念，即应该以拥有美国本土印第安人的血统而自豪。
Jimi的祖父母都是歌舞特技演员，他们居住在加拿大不列颠哥伦比亚省的温哥华，那里也是Jimi的父亲Al Hendrix出生的地方。之后Al搬到了西雅图，在那里他结识了Jimi的母亲Lucille Jeter并结婚。在Lucille过世后Al给了Jimi一把夏威夷四弦琴，然后不久又花$5买了一把木吉他给Jimi，从此Jimi Hendrix走上了音乐之路。
演艺生涯
吉米·亨德里克斯于1970年组成《吉卜赛人乐队》，在美国及欧洲作巡回演出。1970年9月16日，即他去世前两天，亨德里克斯于朗尼·史葛在伦敦苏豪区经营的朗尼史葛爵士俱乐部与艾力·波顿作即兴表演，成为他的最后一次公开演出。[5]两天后，他在一家伦敦旅馆死于药物窒息。
亨德里克斯的吉他技术完全是自学，因为他是左撇子，因此将一把右手吉他的琴弦以反向顺序安装，以左手演奏。作为一名吉他手，他受到了像是布鲁斯和节奏布鲁斯的吉他前辈的影响，然后在这些基础上做出了重大创新。影响他的乐手包括布鲁斯吉他手B·B·金，艾伯特·金，巴迪·盖伊，T-Bone Walker，马迪·沃特斯，以及对R&B和灵魂乐做出过卓越贡献的柯提斯·梅菲尔德。另外，亨德里克斯也受爵士乐影响很深；他经常说他个人最爱的乐手是Rahsaan Roland Kirk。
成就与影响
亨德里克斯创造性地发展了传统摇滚吉他和电子布鲁斯的演奏技巧，尽管在他之前的一些艺术家，比如奇想乐团的戴夫·戴维斯和何许人合唱团的皮特·汤申德已经把回授及失真等效果运用于那些急速独奏上，亨德里克斯是第一位把这些电吉他哇音踏板效果器和音箱的回馈与失真吉他放大器反馈，作为其歌曲作品的整体表现手法和带入录音室录制歌曲的吉他手。
身为一位录音室制作人，亨德里克斯也是第一位利用录音室效果，表达其音乐理念的布鲁斯摇滚乐手。显然他是那些最早尝试在录音过程中添加立体声效的制作人之一。另外他也专精于作曲，他的作品在其生前和过世后被许多音乐人重新诠释过。
亨德里克斯具争议性同时也原创性的风格，可以用其在《星条旗》中，用吉他模仿出战争中的声音（包括机熗声，轰炸声以及人们的尖叫声）的激情演奏举例。他对此曲的印象派手法充分描绘出了当时普遍的反美主义潮流，成为了60年代动荡时期的美国社会的内心独白。
汤米·依曼纽
威廉·汤姆斯·"汤米"·依曼纽（澳大利亚贡献勋章获得者）（英语：William Thomas "Tommy" Emmanuel AM，1955年5月31日—）是一名澳大利亚吉他手，他以复杂的指弹风格，充满活力的现场表演，以及在吉他上运用打击乐效果最为著名。在2008年和2010年5月刊的《吉他手期刊》（《Guitar Player Magazine》）杂志中，他获得由读者投票选出的“地表上最强木吉他手”的美称。
生平
汤米1955年出生在澳大利亚新南威尔士州的马瑟尔布鲁克。1959年，在他4岁时，获得了第一把吉他，她母亲教他弹琴，来为她母亲弹的夏威夷吉他做伴奏。7岁时，他在收音机里听到了切特·阿特金斯。他（现在还）生动地记得当时那一刻，并说那（曾）极大地激励了他。
1961年，在他6岁那年，他已经是一名专职的专业音乐家。在认识到了汤米和他的哥哥菲尔的音乐才华后，他们的父亲创建了一支家庭乐队，卖了家里的房子，带着一家人四处旅行。由于一家人住在两辆旅行车上，依曼纽的童年大部分是在和家人一起的巡演中度过的，他弹节奏吉他，并且很少上学读书。他们一家认识到这种四处漂泊的生活的艰难——又穷又饿，总是无法在一个地方安顿下来。他的父亲常常会开车提前到达目的地，以便安排会面和做广告宣传，并寻找那些能够让他们在第二天做即兴演出的当地音乐商店。最终，新南威尔士州教委坚持依曼纽家的孩子需要定期去学校上课。
1966年，在汤米的父亲去世之后，一家人定居在帕克斯。汤米最终搬到了悉尼，在那里，他赢得了一连串的才艺比赛后，逐渐引起全国人们的注意。在70年代后期，他在和他哥哥菲尔共同所在的“淘金”乐团担任吉他手，并为众多唱片和广告词音乐做（工作室、现场）演奏工作。在70年代末，他成为给歌手Doug Parkinson伴奏的乐队——The Southern Star Band的主音吉他手，进一步扩大了汤米的名气。在80年代早期，他加入了阵容重组后的70年代顶尖摇滚组合Dragon，与他们大范围地举行了巡演，包括1987年和蒂娜·透纳的巡演。他后来离开了Dragon并开始了独奏生涯。
在他的整个职业生涯中，与很多著名艺术家一同演奏过，包括切特·阿特金斯，埃里克·克莱普顿，乔治·马丁爵士，空气补给乐队，约翰·丹佛，莱斯·保罗以及多克·沃森。埃里克·克莱普顿，切特·阿特金斯，莱斯·保罗和乔·塞奇尼都曾说过汤米是他们所知道的最好的演奏家。他们的这种说法也证明了汤米的杰出才能。
在1994年汤米成为约翰·法汉乐队的一员。澳洲音乐老炮儿约翰·法汉邀请他参加“为了卢旺达演唱会”（“Concert for Rwanda”），安排他在来自Noiseworks乐队的Stuart Fraser旁边演奏吉他。
汤米和他的哥哥菲尔在2000年的悉尼夏季奥林匹克运动会闭幕式上做过现场演出。当时的电视节目对现场情况进行了全球实况播放。当两个人一起演奏的时候，兄弟俩有时会同时演奏一把吉他，每个人都空出一只手，而用另外一只手配合着弹奏同一把吉他。
2002年10月，汤米受邀参加在华盛顿国家大教堂为印尼峇里岛爆炸案受害者举行的演出，演奏了澳大利亚民谣Waltzing Matilda（此曲被称为“非官方的澳大利亚国歌”）。
由于劳累过度，2007年底他被诊断出有心脏问题，并被要求中断繁忙的巡演日程安排进行强制休息，但是他在2008年上半年他又重新回到了全天候的巡演中。
在2010年1月下旬，因被当月早些时候发生的悲惨的2010年海地地震所触动，依曼纽宣布他将在eBay上拍卖掉他自己演奏并拥有的3把吉他，来为在海地的联合国儿童基金会捐献筹款。
2010年6月，汤米被授予澳大利亚三等勋章——澳大利亚贡献勋章（AM）。
音乐风格
2006年依曼纽在阿拉巴马州伯明翰市的City Stages艺术音乐节现场表演指弹吉他
汤米说过在很小的时候，他就被阿特金斯的那种用拇指弹奏低音部分、同时其他手指弹奏旋律部分的音乐风格所吸引（这种风格有时也被称为特拉维斯拨弦法）。这个技巧，后来成为了汤米的吉他风格的一个要素。
尽管汤米从未受过正规的音乐训练，但他的演奏能力为他赢得了全球无数的乐迷。他在吉他琴体上，表演打击乐部分为大家所熟知。作为一位独奏演奏家，他从不照着给定的乐谱弹奏，并且尽可能少用吉他效果器。值得一提的是他在录制音乐时通常是一次就完成。
他经常使用左手拇指游走在5弦和6弦上的低音音符，抑或只用左手的两根手指在吉他上按出Am小调和弦和E大调和弦（其中一根手指竖直着同时按两根弦）。多数情况下他的右手会使用拇指套，其他时候会用一个普通拨片或仅用手指。
他的主要吉他是一把小琴体的定制款Maton EBG808，这把吉他安装配备了一个拾音器和一个内置电容麦克风。由于这把小个头的琴在不接音箱的情况下音量很小；而连接上音箱之后音量又极大，汤米给它取了个外号叫“老鼠”。他的3把主要舞台演出吉他中的2把，特别是它的签名款D型琴TE1 Maton，在他的过度弹奏和打击乐技巧下，已经被磨薄并破旧不堪。他近期在他的年度音乐节Tommyfest UK (2008)期间的一个讲习班上说过，他所有这3把舞台演奏吉他都损坏过，并且这些年来已经被修过无数次了。
与切特·阿特金斯的合作
汤米在澳大利亚年轻的时候，曾给住在纳什维尔的心目中的偶像切特·阿特金斯写过信。最终阿特金斯用鼓励的话语和过来拜访的长期邀请答复了汤米。
1997年，依曼纽和阿特金斯作为双人搭档录制音乐，并发行了一张名为《The Day Finger Pickers Took Over the World》的专辑，这张专辑也成为阿特金斯在生前最后的一张专辑。
1999年7月的第15届年度切特·阿特金斯爱好者社团（Chet Atkins Appreciation Society，缩写：CAAS）大会上，切特给汤米颁发了“认证吉他手”（Certified Guitar Player, 缩写：CGP）奖，“认证吉他手”奖是阿特金斯颁给吉他演奏家的一项至高荣誉。此奖项的知名度由于有吉他音乐领域广泛被认可的领袖阿特金斯亲自颁发而增强。奖项上面写着：“表彰他对指弹艺术的贡献”。汤米每年7月份都会在纳什维尔的切特·阿特金斯爱好者社团（CAAS）活动中演出。
奖项
与切特·阿特金斯的二重奏曲目《Smokey Mountain Lullaby》曾获得1998年的格莱美乡村器乐表演奖提名，但最后未获奖。他的曲子《Gameshow Rag/Cannonbal Rag》在2007年1月25日周六那天的第35届塔姆瓦斯乡村音乐节上（注：塔姆瓦斯是澳大利亚乡村音乐之都），获得了年度器乐奖。在2007年同一年，汤米获得当年的格莱美最佳乡村器乐表演奖提名。
在2008年和2010年5月刊的《吉他手期刊》（《Guitar Player Magazine》）杂志中，汤米 依曼纽获得由读者投票选出的“最佳木吉他手”称号。
艾迪·范·海伦
艾迪·范·海伦（全名Edward Lodewijk Van Halen，1955年1月26日-2020年10月7日），出生于荷兰，20世纪最杰出的吉他演奏家之一，美国著名重金属乐队Van Halen吉他手，电吉他点弦技术的首创者，影响了无数摇滚吉他手，也是20世纪八十年代整个欧美重金属浪潮的推动者。曾与世界流行天王迈克尔·杰克逊（Michael Jackson）合作作品《Beat It》。
与皇后乐队吉他手Brian May的吉他Red Special一样，艾迪也拥有自制的吉他Frankenstrat。在2012年《Guitar World》评选的百大吉他演奏家中，艾迪成功超越有“吉他之神”美誉的吉米·亨德里克斯，当选最伟大吉他手之一。
2020年10月7日，艾迪·范·海伦因咽喉癌去世，享年65岁。
早年经历
老年EVH
艾迪·范·海伦和他的兄弟Alex出生在荷兰，自小跟随父母移居到美国，并且在南加州定居。他们的父母热爱音乐，在七岁的时候，兄弟俩被送到最好的钢琴教师家学习钢琴，但是当时的Eddie和Alex就已经深深喜爱着摇滚乐。 这个伟大的吉他演奏家拥有的第一把琴，价值70美元。完全凭借自学，他反复练习着自己能听到的一些歌曲，Eric Clapton是影响他最深的吉他演奏家，很快的，Eddie已经能演奏EricClapton的歌中任何一段solo。 此时的Eddie和Alex已经成为不错的乐手，而且也加入过一些乐团……直到最后他们遇到了David Lee Roth和Michael Anthony，而且组成了乐队——Mammoth。但是他们很快发现，已经有另一支乐队叫做Mammoth，因此，在排除了一些主意之后，他们决定使用兄弟二人的姓，来作为名字。就在这时，Van Halen的名字诞生了。
演艺经历
1978年照片
Eddie Van Halen（艾迪·范·海伦）是世界上最受欢迎的吉他演奏家之一，美国著名摇滚乐队Van Halen主音吉他手。他的名字已经到达了吉他世界的顶端。在2012年《Guitar World》发表的一项最新吉他手评选中，Eddie Van Halen（艾迪·范·海伦）被选为有史以来最伟大的吉他手，击败了有着吉他之神之称的Jimi Hendrix（吉米·亨德里克斯）和Queen（皇后乐队）吉他手Brian May（布莱恩·梅）。
与天王合作
《Beat It》是世界流行天王迈克尔·杰克逊（Michael Jackson）与Eddie Van Halen合作作品，在其1982年专辑《Thriller》收录的主打歌曲之一。作为一首摇滚名曲，入围了摇滚名人堂史上500首经典之作之一，同时入围滚石杂志最佳100首摇滚吉他Solo之一，邓丽君、Fall Out Boy等无数艺人都曾经翻唱、演绎过Beat It。
“昆西·琼斯（Quincy Jones ）打电话给我让我为这首歌伴奏。当我去到录音室，只花了15分钟重新编排歌曲，弹奏了两段solo，并让他们选择他们最喜欢的一段。然后迈克尔走了进来，他说'哇，我真的很喜欢那段高速solo。录制这首歌曲有很多乐趣。花了很短的时间做出的东西能够达到超出你想像的效果，真是疯狂。”
此曲由杰克逊亲手作词、作曲、编曲，并演唱，后经时任美国总统的里根的建议，将这首歌用在一个劝导禁止酒驾的公益广告中。杰克逊本人也因此被里根总统邀其至白宫，亲自为其颁发了“世界杰出青年奖”以及“特别贡献奖”。同时杰克逊也凭借《Beat It》这首歌获得了第26届格莱美最佳摇滚男歌手。这首歌曲的音乐录影带的设计与拍摄更是跨世纪的，可谓旷世奇作，广受好评。
2012年，在《Guitar World》评选的百大吉他演奏家中，艾迪·范·海伦击败了皇后乐队的吉他手Brian May、Rush乐队的Alex Lifeon 和“吉他之神”Jimi Hendrix（吉米·亨德里克斯）等众多吉他手名列首位。
主要作品
《Beat It》、《Eruption》、《Ain't Talkin' 'Bout Love》
史提芬·范
史提夫·范（英语：Steve Vai，1960年6月6日—）是美国摇滚吉他手、作曲家、歌手、制作人、养蜂者及演员。其职业始于1980年为弗兰克·扎帕编曲，1984年开始其吉他事业，至2009年已经发表了14张的个人演奏专辑。除了与弗兰克·扎帕的合作之外，他也与Alcatrazz、David Lee Roth、Whitesnake等人（乐团）录制专辑并巡回。自1996年以来，他经常参与乔·沙翠亚尼的G3演奏。其作品《For the Love of God》在《吉他世界》杂志被读者投票为一百首最佳吉他独奏中的第29首。史提夫·范与前Vixen贝斯手Pia Maiocco结婚，育有两个小孩。
生涯
70与80年代
在1974年，史提芬·范向吉他手乔·沙翠亚尼学习吉他，并在很多的当地乐团演奏，其中有一个以他的名字来命名——The Steve Vais。 他被认为受到许多吉他手的影响，包括Jeff Beck及融合爵士吉他手Allan Holdsworth。 借由进入柏克理音乐学院并且结业，他学到了不少，之后录了一些作为履历（afterwards recording a promotional piece for them）在20岁参加弗兰克·扎帕的试听。
后来他寄给弗兰克·扎帕一份弗兰克·扎帕的The Black Page誊本，这是一首写给鼓的演奏曲，还有一卷他的吉他演奏录音带。 Zappa讶异于这位年轻的吉他手的能力，于是在1979雇用他来誊录许多他的吉他独奏桥段，包括Joe's Garage专辑以及Shut Up 'n' Play Yer Guitar系列，这些都被发表在1982年的The Frank Zappa Guitar Book。
也因为受到Zappa赏识的关系，后来他被雇用为一个乐谱誊录者；还有在弗兰克·扎帕的You Are What You Is这张专辑许多部分弹奏吉他。此后他成为一个正式（full-fledged）的乐团成员，并在1980年的秋天进行第一次与弗兰克·扎帕的巡回演唱，其中一个早期的演唱会录音纪录在Buffalo专辑内，在2007年释出。当与弗兰克·扎帕巡回时，他有时候要求观众给他带一些乐谱过来，看他是否能当下做出良好的即兴演奏。在1993年Zappa's Univers中，弗兰克·扎帕说他是little Italian virtuoso，而且唱片封套写着，他将会成为一个有特色的艺术者因那些“惊技吉他”及“不可能的吉他桥段”。 在2006年，他当弗兰克·扎帕的儿子Dweezil Zappa的巡回Zappa Plays Zappa中 的一个特别来宾，演奏弗兰克·扎帕的音乐，旁边还有许多弗兰克·扎帕在世时的伙伴。
在1982年离开弗兰克·扎帕之后，他搬到加州，录制了他的第一章个人专辑 Flex-Able并且待在两个乐团表演。 1985年，他取代了Yngwie Malmsteen在 Graham Bonnet的乐团Alcatrazz 的主奏吉他手位置并录制Disturbing the Peace专辑。后来他加入了 Van Halen前主唱 David Lee Roth的SuperBand录制Eat 'Em and Smile与Skyscraper两张专辑，这大大的增加他在摇滚界的能见度，因为Roth在Van Halen的乐团里的知名度使Vai让很多评论家拿他来与Eddie Van Halen比较。
在1986年与前 Sex Pistols主唱 John Lydon的 Public Image Ltd乐团专辑“Album”也使大家极为震惊。1989年，加入了 Whitesnake乐团顶替 Vivian Campbell的位置，但是在Adrian Vandenberg弄伤手腕之后，只好让他来完成 Slip of the Tongue这张专辑主奏及节奏吉他两部分。他也在 Alice Cooper的专辑 Hey Stoopid中的一首歌Feed my Frankenstein与乔·沙翠亚尼演奏。
自1987年开始，他已经使用他的代言吉他Ibanez JEM系列。
90与00年代
他持续进行巡回，还有与唯一的老师兼朋友乔·沙翠亚尼在G3演出。 David Lee Roth和 Mr. Big BASS手Billy Sheehan也有加入。在1990年，释出广为好评的专辑 Passion and Warfare。
歌曲For the Love of God在Guitar World杂志里面被读者投票为一直以来100首最棒的吉他独奏曲第14名。
在1994年，开始参与Ozzy Osbourne的作曲与录音工作，但只有一首歌My Little Man在这段时间被收录于Ozzmosis专辑中，尽管他写了这首歌，但他却没有出现在这张专辑的名单上面。后来他的位置被Zakk Wylde取代。Vai个人乐队的成员在90年代有鼓手Mike Mangini、吉他手Mike Keneally和贝斯手Phillp Bynoe。在1994年，他因Frank Zappa的Zappa's Univers专辑中的歌曲Sofa而得到格莱美奖。
2002年的7月，Vai在日本的Suntory Hall与东京交响乐团表演一首由作曲家Ichiro Nodaira所写名为Fire Strings的电吉他协奏曲。
2004年，Vai在荷兰与Metropole管弦乐团表演许多首他的作品和管弦编曲版本，包含一些先前的录音作品，名为The Aching Hunger。 2003年，鼓手 Jeremy Colson加入Vai的乐团，取代先前鼓手Virgil Donati，Sound Theories这张专辑在2007年发行。
2001年12月，推出一张演奏DVD名为Live at the Astoria London，阵容有贝斯手Billy Sheehan、吉他兼键盘手Tony MacAlpine，吉他手Dave Weiner与鼓手Virgil Donati。
2005年二月，Vai初次表演一首双吉他（古典及电吉他）演奏曲，名为The Blossom Suite，与古典吉他手Sharon Isbin在巴黎的Châtelet Theatre 合作。2006年，担任Frank Zappa的儿子Dweezil Zappa所举办的Zappa Plays Zappa这场巡回中Zappa Band的特别来宾，在欧洲与在美国十月底及冬季时举行，其他特别来宾有鼓手Terry Bozzio、吉他手兼歌手Ray White以及萨克斯风手兼歌手Napoleon Murphy Brock。
2006年9月21日，在加州好莱坞的Video Games Live演奏会特别演出，与Hollywood Bowl Orchestra演奏了两首歌，Halo主题曲及Halo 3预告的曲子。
Vai在2007年4月28日在ExCel中心在 London Guitar Show 2007表演。在该年四月底证实要在6月26日发行他最近的录音作品，名为Sound Theories。这是张双CD专辑，由Vai重新编辑为管弦乐版本并演奏，Vai说这个是一个非常有趣的计划，因为他认为他比起当吉他手，编曲家更适合他，而且他很高兴看到他看到他编的曲子被管弦乐团演出得这么好，DVD一直到隔年才发行。他在Dream Theater的专辑Systematic Chaos中的歌曲Repentance担任客串，而这次是以歌手的角色出现，这首歌由许多演奏家合力完成，要向他们生命中重要的人为他们过去所犯的错误而道歉。
Vai开始进行Where the Wild Things Are 在CD、DVD、和蓝光光碟在2009年9月29日的发行，这是一场在2007年于Minneapolis State Theater的现场纪录。
外文名：guitar
吉他谱：弦谱，TAB谱，五线谱，简谱
类 别：电吉他，古典吉他，民谣吉他等
适 用：流行，摇滚，蓝调，民歌，古典等
发源地：西班牙
应用学科：音乐学、音乐表演
代表人物：索尔、塔雷加、塞戈维亚
意大利语：Chitarra
吉他（英语：guitar，港澳称结他，又称“六弦琴”），是一种弹拨乐器。通常有六条弦，形状与提琴相似。吉他在流行音乐、摇滚音乐、蓝调、民歌、弗拉门戈中，常被视为主要乐器；在古典音乐的领域里，吉他常以独奏或二重奏的型式演出；在室内乐和管弦乐中，吉他亦扮演着相当程度的陪衬角色。古典吉他与小提琴、钢琴并列为世界著名三大乐器。
历史沿革
起源
吉他的祖先，可以追溯到公元前两三千年前古埃及的耐法尔，古巴比伦和古波斯的各种古弹拨乐器。考古学家找到的最古老的类似现代吉他的乐器，是公元前1400年前生活在小亚细亚和叙利亚北部的古赫梯人城门遗址上的“赫梯吉他”。8字型内弯的琴体决定了吉他属乐器特有的声音共鸣和乐器特点，这也成为吉他与其它弹拨乐器的最显著特点。
发展
在十三世纪的西班牙，由波斯语逐渐演化成的西班牙语吉他一词就已经形成，在当时种类繁多的乐器中，已经出现了“摩尔吉他”和“拉丁吉他”。其中摩尔吉他琴体为椭圆形背部鼓起，使用金属弦，演奏风格比较粗犷；拉丁吉他琴体为与现代吉他类似的8字型平底结构，使用羊肠弦，风格典雅。
文艺复兴时期是吉他的鼎盛时期。十六世纪四对复弦的吉他和它的近亲——用手指弹奏的比维拉琴，在演奏与创作方面都达到了很高的水准。吉他和比维拉琴不仅深受民众喜爱，而且还常常成为宫廷乐器。当时的吉他、比维拉大师有米兰、纳乐瓦埃斯、穆达拉，以及十七世纪时五组复弦的巴洛克吉他时代大师桑斯、科尔贝塔、维赛等。他们的许多作品现在仍是现代古典吉他曲目中的不朽财富。当时吉他、比维拉琴等乐器所使用的记谱方法还不是现在的五线谱，而是用横线来代表各弦，用数字或字母表示音位和指法，与现在民谣吉他中使用的六线谱类似的图示记谱法。
当时著名的鲁特琴大道兰和魏斯等人的作品经后人改编，在今天的古典吉他曲目中占有重要的位置。伟大的巴洛克音乐集大成者巴赫所创作的不朽作品如大提琴、小提琴组曲、奏鸣曲的吉他改编曲，在古典吉他曲具有不朽的价值。十八世纪后期鲁特琴和比维拉琴逐渐退出了历史舞台，五对复弦和其后出现的六对复弦吉他也渐渐完成了它们的历史使命。1800年前后，全新的六根单弦的吉他以其清晰的和声及调弦方便等优点很快得到了几乎全欧洲的青睐，古典吉他的黄金时代终于到来了。
吉他常用调式音阶图
十九世纪初，活跃在当时吉他音乐中心巴黎、维也纳还有伦敦的最著名的吉他大师有费尔南多·索尔、迪奥尼西奥·阿瓜多、莫罗·朱利亚尼和卡尔卡西。其中索尔和朱利亚尼除了是吉他大师外还是出色的音乐家，他们以杰出的才华为六弦古典吉他创作了包括协奏曲在内的第一批大型曲目，为六弦吉他日后的发展奠定了基础。尤其索尔在创作上承袭弗朗茨·约瑟夫·海顿、沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特的古典音乐传统，除写作歌剧、舞剧音乐外，还为吉他创作了包括系统的练习曲、教程在内的大量优秀作品，被音乐评论家称为“吉他音乐的贝多芬”。
十九世纪后期著名的吉他音乐家有考斯特、默茨、卡诺、雷冈第等，他们为吉他创作的很多优秀作品都成为了十九世纪吉他音乐的经典。吉他能在二十世纪蓬勃发展并达到前所未有的辉煌，在很大程度上应归功于“近代吉他之父”泰雷加对吉他从制做、乐器性能、演奏技术直至曲目等各方面的深入研究和革新。泰雷加和他的老师阿尔卡斯一直致力于与吉他制作家托雷斯合作，并最终生产出了琴体扩大、音量增大、乐器性能明显改善的现代古典吉他。
源流与发展
电吉他
古典吉他（尼龙线）
民谣吉他（钢弦）
“吉他”一词，来自英语“guitar”的音译。而自古至今，即便是使用不同的语言文字的国家，对于这个乐器的称呼，都有相似的发音，例如：西班牙语，guitarra；法语，guitare；德语，Gitarre；意大利语，chitarra。而“tar”这个字根，则是出自梵语，在波斯（今伊朗）及北印度一带，有“弦”的意义；后来这个语词的流传，又经历了古希腊的 kithara（cithara），阿拉伯语的 gitara，以及古法语的 guiterne，最后才演变为现代英语 guitar。
追本溯源
吉他虽然是一种古老的弹拨乐器，但关于它的起源却是众说纷云，目前所知道的说法有三种：第一种就是前面所描述的，源自欧洲古希腊的西塞拉琴 kithara（Cithara）。第二种，是美索不达米亚平原的长颈鲁特琴演变说。第三种则认为，吉他是演变自古埃及的哥普特琉特琴（Copric Lute），由当时的阿拉伯－摩尔人传入欧洲，并逐渐演变成的今天的吉他。早期有关音乐的文献，大部分都已散佚，因此在没有确切证据的情况下，吉他的起源仍是没有结论，但它久远的历史，则是显而易见的。在埃及的许多考古资料中，曾经发现四种很像鲁特琴的乐器，因此就有学者认为，这种乐器就是吉他的前身。早在纪元前一世纪左右，也有学者在今印度、巴基斯坦附近的石雕上，发现貌似吉他的鲁特琴，而这种鲁特琴又比埃及鲁特琴还要像吉他，因此也有学者认为，吉他便是经由印、巴一带流传到欧洲。
吉他的分类
双颈吉他
吉他可概略分为两大类：其一，是历史悠久，以木制共鸣箱扩音的木吉他。其二，是发明于二十世纪，以拾音器加上扬声器来扩音的电吉他。木吉他常被用于古典音乐、民间音乐及流行音乐的演奏或伴奏。电吉他则是在摇滚乐、蓝调、爵士乐及流行音乐中，占有其特殊的地位。而电吉他的发明与问世，对西方流行文化及音乐发展也有很重要的影响。然而，随着电子科技与工艺技术的进步与结合，吉他的面貌及内涵，又有了更多的转变。现代的吉他，依据其构造方式、发声原理、功能取向的不同，又可以再细分：
夏威夷吉他：包括夏威夷吉他和电吉他，定弦和姿势弹奏方法与西班牙吉他完全不同，以弹奏旋律为主，声音优美。
西班牙吉他，分为三类：
古典吉他：又名西班牙吉他，又名西班牙古典吉他。主要演奏古典乐曲，技巧丰富，艺术性很高，主要使用尼龙弦，声音柔和典雅。
民谣吉他：主要为歌曲伴奏或自弹自唱，可以用手指或拨片（pick匹克）弹奏，娱乐性很高，采用钢弦，声音明亮。
弗拉门戈吉他：发源于安达卢西亚地区，过去为舞蹈和歌曲伴奏，后来借鉴古典吉他技巧，艺术性得到提升可以独奏，外形和古典吉他类似，采用尼龙弦。
电吉他 ：第一把电吉他是在木吉他的基础上加装拾音器连接扬声器来扩大音量，后来大多都采用实心吉他（爵士乐还是有继续使用空心电吉他），是现代流行音乐和摇滚乐中重要的伴奏和独奏乐器。
基本构造
形状特点
吉他构造
吉他（意大利语：Chitarra），又译六弦琴。其面板与背板都是平的，琴腰部一般无角而往里凹，古典吉他一般无凹陷。琴颈很宽，长，指板上有弦枕并装有很多窄而稍向上凸起的金属制的横格，称之为“品”，它把琴弦划分为许多半音。
作为乐器家族中弦乐器的一员，吉他是一种通过拨动上面一根根的琴弦发出声音的有弦的演奏乐器。弹奏时用一只手拨动琴弦，另一只手的手指抵在指板上，后者是覆盖在琴颈上的金属小条。弹奏出来的声音会通过吉他的共鸣箱得到增强。
适用风格
吉他被用于多种音乐风格， 它在流行音乐、摇滚音乐、蓝调、民歌、弗拉门戈中常被视为主要乐器。吉他也曾被于用古典音乐，有大量的独奏曲， 室内乐和管弦乐中偶有使用。它通常有六弦，但亦有四弦、八弦、十弦和十二弦。吉他主要有两大类：一是历史悠久、以木制共鸣箱扩音的木吉他；二是二十世纪被发明、以电扩音器扩音的电吉他。原声吉他有四种：平面吉他（在中国也叫民谣吉他），拱面吉他（又名爵士吉他），古典吉他和弗拉门戈吉他。木吉他通常被用于古典音乐、民间音乐及流行音乐。电吉他则通常被用于摇滚音乐、蓝调及流行音乐。电吉他的发明对西方流行文化及音乐有重要影响。
吉他家族中最“贵族”的古典吉他与小提琴、钢琴并列为世界著名三大乐器。
构造
木吉他
现今常见的木吉他，普遍都是六条或十二条琴弦，但亦有四弦、八弦、十弦的型式。而其整体由“琴头”、“琴颈”、“琴身”三大部分所组成。
琴头（Head）
琴头的主要作用，在于支撑吉他前端的琴弦张力。而在外观的设计上，琴头正面多半会印有吉他的品牌标志；有些定制的吉他，则会在琴头嵌上装饰图案；有些吉他则会在琴头外缘嵌上护边。琴头与琴颈交界之处，也是很脆弱的部位，很容易因为碰撞而发生断裂。
弦钮
弦钮（Tuning Heads）：有齿轮式及油压式两种，主要用来调整琴弦的张力。琴弦张力愈高，声调也愈高，反之则愈低。弦钮的材质，以塑胶-金属、木材-金属的组合较为常见。
黄铜材质之上弦枕
上弦枕（Nut）：置于琴头与琴颈的交接处，主要用来维持吉他前端琴弦和指板间的距离。弦枕上会有浅沟用以固定琴弦位置，防止滑动。弦枕的常见材质，有塑胶、驼骨、牛骨、塑钢以及金属等。
牛骨材质之上弦枕
琴颈
琴颈和指板的材质与音色息息相关。枫木（maple）琴颈能产生明亮的声音，并大大增强大琴体吉他的高频表现，而桃花心木（mahogany）则会将整体音色变得更为温暖，更具木质感。
指板：指板也对整体音色有所影响，虽然它的作用就像蛋糕上的糖衣，而不是蛋糕本身。巴西玫瑰木，以及与它相近的热带雨林类似木种，能增加亮度与延音，而印度玫瑰木则能够让中频更肥厚。基本上只有黑檀木（Ebony）可以用在音乐会琴上，上品的黑檀木颜色乌黑而带光泽，密度及硬度均十分高，作为指板也确实是很好的材料。产地以非洲的较好，而其他热带地区亦有生产，但一般均缺少光泽，密度亦稍有不如。
琴身（Body）
亦可称为共鸣箱，木吉他赖以发声的关键之处，其整体系由面板、侧板及背板所接合而成。相较于琴头与指板，琴身的面积较为宽广，因此也是厂商常用来展现吉他装饰艺术的重点部位。面板与背板皆是平面，但有部分木吉他因为外观设计、声响效果或木材用料的因素，其背板会有些微的弧度。而面板、侧板及背板的木料选用，则是影响吉他音色与响度的决定性因素。
面板（Top）：吉他琴体的每个部分各有所长，只是影响有深有浅，一般观点而言，决定吉他音色表现的因素中，面板，似乎造就了琴体对于弹奏的反应，反应的速度、延音的长短、泛音的音色，以及每个音符基本音色的力度和质感。多数制琴师认为，面板用材对于乐器的音色，有着决定性的影响。常见面板材料如：桃花心木（mahogany）、紫檀木（rosewood）、枫木（maple）、黑坛木（ebony）以及云杉木（spruce）。
面板可分为单板及合板，单板是由一整块完整的木材所制成，音色与各方面表现都远大于合板；合板是由质量较差的木材或是木屑以人工的方式压合而成，音色与各方面表现较差，但因售价便宜，常用于给初学者的入门琴，其特色是琴身会经过喷漆上色，色彩较为多样化，而单板琴多数不会这样做（漆会影响音色的表现），而是显现木材的原色。
琴桥
琴桥（Bridge）：与指板一样，多是以质地坚硬且密度高的木料制作，主要用来支撑吉他的后段琴弦张力，并透过下弦枕把琴弦的振动传递至面板。琴桥上会有一个细长型的沟槽，用来放置下弦枕及拾音器；另外也会有数个圆孔排成一列或二列，用来安装琴弦及弦钉；而圆孔的个数，则是依琴弦数量来决定。如同指板与音色的关系一般，琴桥的用料，对于整体音色没有太大作用，但是对于琴体其他部分的音色，有所加强或影响。而琴桥在面板上的位置，是决定吉他音准的因素。
牛骨材质的下弦枕
下弦枕（Saddle）：常见的制作材料为塑胶、兽骨（牛骨、驼骨、象牙）或是塑钢与金属。下弦枕对吉他音色的影响程度，占大部分，其主要作用是将琴弦的振动传递至琴桥，并决定琴弦与指板的间距。（弦枕工艺坊）
以黑坛木制作的弦栓
弦钉（Bridge pin）：亦称为弦栓，多以塑胶制作，所反映音质最差。市面上亦有黑檀木或其它材质的弦钉，其作用是固定安装在琴桥上的琴弦及传递弦上的震动去琴身而产生音响。弦钉材质对吉他音色的有一定的影响,部分吉他厂牌使用无弦钉设计。
响孔（Sound Hole）：吉他发声的主要部位，当琴弦振动时，其振动所产生的声音频率，会透过下弦枕传递至琴桥，再由琴桥传递至面板，接着再扩散至侧板及背板，最后在琴身内部逐渐形成共鸣，并透过背板将声音反射到响孔外。
电吉他
运用电磁学原理，切割拾音器上磁感线引起不同频率的电流，再利用音箱还原电流的电子乐器。
琴头（Head）
琴头上主要是为了安装卷弦器，而且琴头上还显示了吉他的品牌、生产日期及编号等信息。
琴颈（Neck）
琴颈上面有一个个琴格，用来调节吉他的音程，琴颈的形状一般有U字体和三角形。像fender的吉他一般有21个琴格，gibson的吉他有22个琴格，现在很多吉他已经有24个琴格了，应当根据自己的需要购买适合自己的吉他。
琴身（Body）
以琴身形状来区分，主要可分为LP、ST、TELE、SG、V等形状。
若以特性来分，大略可分成空心（hollow body）、半空心（semi-hollow body）、腔心（chambered body）、实心（solid body）琴体之电吉他，以及各种材质制成之琴体，都与弦的共鸣略有差异，使得弦被捕捉到声音各异其趣。而实心电吉他最早被爵士乐手兼发明家莱斯·保罗设计出来是为了解决半空心吉他较容易出现回授的问题。
实心琴体的电吉他在往后更进一步的影响了近代音乐的发展，由于对琴体本身的依赖性较不如木吉他，在造型上通常能获取较大幅度的自由。
空心、半空心、半实心由于经常地使用在爵士乐上，所以又常被称为爵士吉他。
琴桥（Bridge）
常见的琴桥有固定式、大摇座、小摇座。
拾音器（Pick-up）
感应弦的振动并将之转化为电子信号之设备。可粗略的分为单线圈（singal coil）、双线圈（humbucker），双线圈又可分封闭式及开放式，并有被动式及主动式之差异。
被动式为一般传统只靠感应起电之电流做为信号发出之拾音器，主动式为了减少对噪声的接收，本身的感应力通常不若被动式，但此同时又造成了信号不够强烈，所以再加上了一枚电池给电以增强信号。而一般电吉他会配置一至三个拾音器，配置在琴体上不同的位置，会有略异音色表现。
表演风格
古典风格：使用古典吉他 弹奏，可说是吉他演奏中艺术性最强的一种，对于弹奏姿势及单音的音色处理特别讲究，通常以独奏或二重奏的方式来演奏传统的古典音乐。
民谣：使用民谣吉他（钢弦吉他）弹奏，最早是美国西部乡村音乐的伴奏乐器，现今多用于流行音乐的歌唱伴奏，可以说是最为普遍的吉他弹奏类型。
弗拉门戈（Flamenco）：一种发源于西班牙南部的艺术形式，具有强烈节奏性，带给人们热情奔放的感受。除了吉他的演奏之外，通常还会伴随歌唱及舞蹈来表现，其音乐风格亦有浓厚的拉丁民族特色。
指弹风格（FingerStyle）：不限弹奏的吉他种类，也不限弹片的使用。此种弹奏风格，可说是集古典吉他、民谣吉他，再加上少部分电吉他弹奏手法与技巧于一身的综合体，因此指弹吉他在乐曲声响效果的表现上，可说是相当地多丰富且多元。除了古典乐曲、流行歌曲的改编与演奏之外，在另一方面，更有演奏家创作了许多有个人色彩的乐曲如押尾光太郎，郑成河，岸部真明,Marcin Patrzalek, Andy McKee , don ross , okapi ，小松原俊，伍伍慧等等. 同时指弹也派生出了很多技巧比如Am(attack mute )(nail attack) pm(palm mute） thumb attack 等等
法朵：发源于葡萄牙的一种传统民歌。
摇滚风格（Rock）：使用电吉他弹奏，起源于1940年代美国，配合爵士鼓、低音吉他（贝斯）、人声演出，弹奏方式依据分类而有所不同，大部分皆注重节奏感及速弹等技巧。
技巧
滑音（Slide）：按著某一格并播出声音后，按弦手指或滑音管在琴弦持续上下滑动，使用滑音管吉他的演奏手法源于十九世纪美国小酒馆中蓝调乐手以酒瓶制造出独特的响声。
捶弦（Hammer-On）：以持颈之手手指击打琴弦。
点弦（Tapping）：槌弦之外加上拨奏之手手指击打琴弦，此演奏技巧以埃迪·范·海伦为典范。
勾弦（Pull-Off）：手指击打琴弦之后，紧接着拨动琴弦。
推弦（Bending）：拨动琴弦后，压弦的手指或上或下的扯紧琴弦来提升音高，常见于蓝调类型音乐的演奏手法。
颤音（Vibrato）：如同推弦，但不推弦至持续的指定音高，而是以该品格的音高为基准制造连续的起伏，作法为压弦手按住琴弦，快速摇动。
摇杆（Vibrato Bar）：摇杆通常加装在电吉他上，通过对摇杆的操作可以改变乐音的高低，摇杆前倾可使弦的张力减低，音高下降，反之上升，而通常只有大摇座型的摇杆可以做到后倾的动作。
自然泛音（Natural Harmonics）：拨奏之后，一般以持颈之手手指触摸琴弦以分割和倍化频率，指奏法则常使用拨凑之手的拇指拨弦，食指触弦。
人工泛音（Artificial Harmonics）：原理同自然泛音，通常是在使用拨片时，在拨奏的瞬间大拇指内侧的指肉触及琴弦来引发泛音，是为了更快速的获取泛音效果而派生的技巧，因为分割点不同于自然泛音，所以音高与同品位的自然泛音不同。
琶音（Arpeggio）：将和弦内的每个组成音个别的弹奏出来，这种技巧后来进一步催生了扫弦。
扫弦（Sweep Picking）：常见于电吉他速弹上，扫弦是一种表现琶音的方式，实际上并不拘限于以合弦内音构成，而琶音亦不一定要由扫弦表现，弹奏时拨片像是刷合弦一般的迅速掠过各琴弦，另一手手指按过该合弦的组成内音的琴格。
打弦（Slap）：多用于低音吉他（Bass）以及放克乐风上，这种技巧始源于早先为了弥补乐团出缺少鼓手给予一个明显的主节奏。
回授（Feedback）：在电吉他或装设拾音器的木吉他上使用的技巧，做为一种特效被使用着，最早仅是常出现在半空心电吉他麻烦的问题。
琴弓（Bowed Guitar）：在吉他上使用提琴弓或是其它弦乐器的琴弓，大多数吉他后琴桥没有曲线，琴弦多半落在相近的水平高度上，使得拉奏各弦较提琴不易，使用此技巧较为人知的有吉米·佩奇和Jón Þór Birgisson。
颤指（轮指）：古典吉他最迷人的演奏技巧之一，指先后以弹奏手手指拨掠过琴弦。其中塔雷加（Tárrega）的《阿尔罕布拉宫的回忆（Recuerdos de la Alhambra）》是轮指奏法的代表作。
打板 ：敲打琴体的各部位的不同响声，通常在空心吉他上表现这种带有打击乐器特色的技巧，常作为弹奏的转折桥段或用来表现节奏。
右手闷音（Right Hand Muting）：以右手（拨弦手）手掌轻轻盖住下弦枕附近的弦并拨弦，使音色较不明亮，常用于电吉他弹奏。
左手闷音（Left Hand Muting）：以左手（按弦手）手指轻轻压在弦上并拨弦，发出没有音高的扣击声；或拨弦后松开左手，使旋律中断，常用于电吉他弹奏。
自然泛音闷音（Natural Harmonic Muting）：以一只左手（按弦手）手指轻轻压在弦上（通常为低音弦）并拨弦，发出高音的泛音，此技巧的泛音不太在意音高为何，常用于电吉他弹奏。
速弹（Shred guitar）：常见于电吉他的技巧，以十六分音符并用高速快速弹奏，使用方式诸多。
Am技巧（attack mute 或 nail attack)AM技巧，是利用右手中指无名指去击打琴弦并加上小指打板，食指回扫完成的一系列动作及声音效果。 首先将手拱起放于琴弦上方，手的发力点是中指与无名指的大关节处；其次，小指敲板的同时，微微收着的中指和无名指，借着挥动的力量，用弹出的指甲盖部分顺势击弦，同时拇指和食指有一个向外张开的动作然可以衔接拨弦或扫弦. Am 技巧的代表作有 押尾光太郎的fight ，月亮的眼泪和中国指弹演奏家的无题。
pm技巧 在大鱼际打到面板的同时，用中指或者和无名指一起用指甲盖弹击弦。然后用食指往上拨然后用手指、指根和一点的手掌拍在弦上让弦击到指板，然后把以上3个动作排出不一样的顺序然后变成一个组合就是pm节奏型代表有押尾光太郎的landscape。
社会影响
吉他由于其音色优雅，简单易学，有着极富个性的音色和表现手法，既能表达委婉动人的喃喃细语，也能表达大气磅礴的豪迈气概，让多少人为之魂牵梦萦；一把空心木吉他，拨动那六根金色的琴弦，就可以洋溢着青春气息的轻快旋律，弹奏出舒缓人心的音乐空间，可以表达出喜怒哀乐，也可以培养庄重优雅的气质魅力，美妙的音色及潇洒的弹奏更能添加其个人魅力，深受广大青年的喜爱。从性能上说，吉他的音色优美，表现力丰富，可以弹奏各个音乐时期的乐曲，演出形式有独奏、重奏、协奏以及伴奏。与钢琴相比吉他的性能有过之而无不及。唯一一点是吉他的音量小不及钢琴，但对于生活在人口密集环境下的现代人来说，小音量的乐器在练习中不会扰民从而在练琴时间上可以有更多的选择。它是当今流行音乐的主乐器之一，享有“乐器王子”的美誉。古典吉他与小提琴、钢琴并列为世界著名三大乐器。
知名吉他手
费尔南多·索尔
中文名：费尔南多·索尔
外文名：Fernando Sor
国 籍：西班牙
出生地：西班牙巴塞罗那
出生日期：1778年2月14日
逝世日期：1838年7月8日
职 业：作曲家、吉他演奏家
代表作品：《魔笛主题变奏曲》、《大独奏曲》、《伟大的独奏》、《月光》、《嬉游曲》
费尔南多·索尔，1778年2月14日出生于西班牙巴塞罗那，是西班牙古典乐派作曲家、吉它演奏家。
自幼学习吉它，少年时代已很有造诣。十九岁时在巴塞罗那上演所作歌剧。此后曾在马德里、巴黎、伦敦、莫斯科等地演奏吉它，同时大量创作音乐作品。1827年后定居巴黎，从此一心研究吉它艺术。
个人经历
童年
费尔南多·索尔,1778年2月的某一天出生在一个家境还算不错的家庭里。确切的日期已无从考证，但我们知道，他是在2月14日在西班牙的巴塞罗纳接受的洗礼，当时所用的名字是“约瑟·费尔南多·玛卡鲁里奥·索尔斯”。
由于索尔家庭的社会地位，索尔依从家人的希望，开始了他的军人生涯。而当他父亲向他介绍意大利歌剧的时候，他也开始深深地爱上了音乐。这也对他后来的音乐作品产生了很大的影响。
索尔的父亲也是将吉他带进索尔生活的人。当索尔仅仅8岁时，他就已经是一个十分优秀的吉他演奏家和音乐家了。凭着他如此年幼便显现出来的音乐天份，他得以进入蒙特沙拉修道院接受音乐训练。
青年
索尔在蒙特沙拉修道院学习音乐和其它对他军事生涯有用的课程。但是他的父母并不希望索尔以音乐为职业，而是到军队中去成为一个行政官员。在他18岁的时候，他的父亲去世了，由于他的母亲无力再维持索尔在修道院的学习，索尔回到了巴塞罗那。之后，他收到了委任书，在军队里有了一个领干薪的挂名职务。有这样一个位置对索尔来说是非常幸运的，因为它可以给索尔提供机会和时间去写一些歌剧和早期的吉他作品。索尔很可能就是因为他在钢琴和吉他上的造诣而在军队里晋升了上尉军衔，因为一般认为，音乐在西班牙的军队里是很受鼓励和重视的。经过了4年的军校生活，索尔在1800年左右来到了马德里。在马德里，索尔结识了他的第一个赞助者——著名的阿尔巴公爵夫人。这位公爵夫人同时也是西班牙著名画家戈雅的赞助人，她并不象其他热衷于艺术的贵族一样去要求艺术家专门为他们创作作品。她在她的家里为索尔提供了一间书房，并让他以自己合适的速度去写自己喜欢写的作品。
展露才华
1808年，盛极一时的拿破伦军队入侵了西班牙。而这正是索尔开始写更多吉他音乐的时期。这个时期他留下的多数作品都是带有国家主义色彩的人声吉他伴奏或吉他独奏。这些歌曲都是为了鼓舞西班牙军队和国民而作的。不管大部分人如何认为，索尔的确是个虔诚的爱国者。在西班牙军队战败后，索尔接受了新的法国政府提供给他的一个行政官员的职位，这是索尔音乐生涯的最大的低潮期。这也许是因为索尔并不愿意为侵略政府服务。但是索尔是一个很实际的人，他会违心地去做一些他不得不做的事情。
几年以后，西班牙军队最终把法国人赶出了西班牙，又由于在法国，索尔有很多要好的艺术家和贵族朋友，索尔也被迫离开的自己的祖国，并再也没有回来。自从1813年离开西班牙以后，索尔就一直把巴黎当作了自己的家，索尔的大部分吉他作品也是在这里创作的，至今现存的有100余部。
索尔除了是个优秀的作曲家之外，也是一个有着极高才华和演奏技巧的演奏家。他的足迹几乎遍及整个欧洲和亚洲，并且处处被视为贵宾。他曾经到过俄国及其邻国，在圣彼得堡、莫斯科、柏林和华沙举办音乐会。尤其是当索尔在莫斯科首演他的芭蕾舞剧“Cendrillion”时，他在艺术上的成就得到了公众和评论家的一致认可。索尔也曾到过伦敦，并且从1815-1823的八年时间里一直在那里居住和工作。他的歌剧和钢琴作品都在英国得到了很高的评价，他也有4部芭蕾舞剧是在伦敦创作的。当地的一位声乐评论家这样说到：“索尔先生的声乐作品是如此的受人欢迎，以至于他的每一部抒情小曲的出版都会比Waverly的一部新小说的出版造成更大的轰动。”
黄金时期
索尔对音乐贡献最大的时期是在我们所谓的“退休”之后，他在1827年左右决定停止在世界各地的访问和表演，在巴黎渡过余生。就在这一时期，他写出了97首不同的练习曲以及“莫扎特魔笛主题与变奏”等后人印象最为深刻的作品。而后者更是有可能是索尔所创作的最伟大也是最难于演奏的作品，演奏者必须有极高的技巧和音乐艺术鉴别力才能很好地驾御这首乐曲。
也是在这一时期，索尔写出了至今仍被称颂的古典吉他教本。这部1830年出版的教本体系非常完整而实用，被评论家称为“关于吉他演奏的最伟大的著作”。在这部著作中，索尔介绍了双手在演奏中的位置和感觉、右手的指甲和正确触弦、以及用怎样的演奏姿势才能即获得对吉他最完全的控制和又能够使演奏者最大程度的放松。
索尔在这段时间里，也经常举办公开的音乐会，但正象他的创作一样，他的演奏也越来越多地集中在了他自幼便最为钟爱的吉他身上。索尔对吉他是如此的喜爱，以至于他在他生命的最后几年里，集毕生心得，不仅写出了伟大的吉他教本，而且还亲自依照本教本教授学生。当索尔第一次到巴黎的时候，吉他几乎是在一夜之间就迷住了所有的市民。在他永久的返回巴黎之后，他更是花了很多时间在教学上。虽然索尔有很多学生，尤其是在巴黎。但是无论是他还是他的学生，都没有能够留下录音。因此，我们对他的学生了解很少。但就在我们很少的资料中，我们就发现了象阿根廷解放军中的圣·马丁这样的著名人物。
另外，索尔在他的教本中还提到了他的两名学生，这就是玛丽·珍妮·波蒂特和密斯·沃恩怀特，她们当时都是年轻的英国女孩。从索尔的教本中可以看出，他对她们在吉他上的造诣给予了很高的评价。
暮年
索尔生命的最后两年无疑是在悲伤中度过的，他在1837年夏天失去了他心爱的女儿，从他所写的最后一部交响乐就可以看出，索尔处在极度的消沉和沮丧之中。一位当地的记者记录了索尔为女儿举行弥撒的过程。索尔亲自演奏钢琴，在他女儿坟墓的上空，乌云逐渐聚集，以至暴雨倾盆。
两年后，索尔去世了。他为世人留下的宝贵遗产两百多年来历久弥新，吉他因为有了索尔而获得了强大的生命力。他把吉他从一个不为人知的音乐社会的底层，带到了一个她从未达到过甚至是想象过的高度！
主要作品
费尔南多·索尔作品主要为吉它奏鸣曲、变奏曲、练习曲等。作品风格属于典型的古典乐派，旋律优美，和声丰富，为吉它艺术开创了一个崭新的时代。后人曾称赞他为“吉它史上的贝多芬”。
代表作品
有吉它独奏曲《魔笛主题变奏曲》、《伟大的独奏》、《月光》（原为《b小调练习曲》）等。
人物评价
主要影响
吉他原本只是一件和古典音乐毫不相干的酒吧乐器。在十九世纪早期，索尔就开始投身于把吉他的地位提高到最高的音乐层次的努力之中。索尔是近 200年来最多产的古典吉他作曲家和倡导者之一。安德烈斯·塞戈维亚正是沿着索尔以及其他象索尔一样的音乐家开辟的道路，最终使吉他成为了像今天这样有极高声望并且受人尊敬的乐器。
同期比较
西班牙的阿瓜多和意大利的卡路里都是与他同时代的吉他音乐家，但与他们不同的是，索尔的吉他作品是把音乐性放在第一位的。阿瓜多和卡路里都为吉他写过很多很多的作品，这些作品，尤其是练习曲都对提高吉他的演奏技巧有很大的帮助，但同时，这些作品的音乐性却与它们的教育性不能相提并论。但是，索尔的大量练习曲却不仅仅有着很好的技巧练习价值，而且都有其完整的音乐性，以至于直到今天，它们还大量的出现在音乐会和CD之中。索尔同时又和音乐大师贝多芬和舒伯特一样，有着令人难以置信的写作难忘旋律的天赋，出于对索尔音乐才华的肯定，他也被称做“吉他音乐的贝多芬”。但有的评论家认为，将索尔与为钢琴演奏技巧的发展作出贡献的车尔尼相比更为合适。
后世影响
费尔南多·索尔，也许是古典吉他的所谓“第一黄金期”中的最知名的吉他音乐家了，在他所到过的整个欧洲，乃至所有他去过的地方，吉他的声望都会象野火燎原般的提升。在他去世之后，吉他就又进入了一个20年的沉寂期，索尔也渐渐的被人淡忘了。
虽然索尔也写了很多其它形式的音乐作品，如钢琴、歌剧、芭蕾舞剧等等，但是给人们留下的印象最深的还是他在吉他方面的造诣，他的练习曲和其它吉他作品构成了一个完整的古典吉他教学和演奏体系。
索尔在他的一生之中以及他死后，都获得了太多太多的赞美，而威廉·钮曼则把索尔的所有音乐才华都高度概括在了一段短评之中：“索尔的吉他奏鸣曲的创造性很强，作品完好的体现了那些新鲜、与众不同而且并不拘泥于乐器本身的音乐思想。和声精巧、变化丰富，曲调变化之中频繁而适时的对位使得结构自然而有趣。他的奏鸣曲的第一个快板乐章总是在保持海顿和波凯里尼的风格的基础上，表现出很大的灵活性。尤其是在他的作品22号中，采用了典型的交响乐的结构，而在他的第三和第四乐章，又很好地借鉴了海顿的小步舞曲和回旋曲的特点。
吉米·亨德里克斯
詹姆斯·马歇尔·亨德里克斯（英语：James Marshall Hendrix，1942年11月27日—1970年9月18日），昵称为吉米·亨德里克斯（Jimi Hendrix），原名强尼·阿伦·亨德里克斯（Johnny Allen Hendrix），生于美国华盛顿州西雅图，是一位著名的美国吉他手、歌手、音乐人，虽然他的主要音乐生涯只持续了4年，詹姆斯仍被公认为是流行乐史上最重要的电吉他手，也是20世纪最著名的音乐家之一。 摇滚名人堂形容他是“摇滚乐史上最伟大的乐手”。 1967年Melody Maker 读者投票选出的流行音乐家，1968年滚石杂志的年度最佳表演者，Disc(magazine)1969年世界顶尖音乐家，1970年吉他手 （页面存档备份，存于互联网档案馆）将他命名为年度最佳摇滚吉他手，1992年吉米·亨德里克斯被引入摇滚名人堂 [1] ，并于2005年引入英国名人堂。2003年滚石杂志评选史上最伟大一百位吉他手，吉米·亨德里克斯被评选为第1名[2]， 2011年滚石杂志一百大吉他手再次评选他为第1名[3]。
早年生平
Hendrix生于华盛顿州的西雅图，出生时被取名为Johnny Allen Hendrix，他的父母是Al Hendrix和Lucille Jeter。他的父亲在第二次世界大战退役之后将他改名为James Marshall Hendrix。Hendrix幼年时个性敏感且害羞。与他同年代的音乐家约翰·蓝侬和保罗·麦卡尼一样，Hendrix受到家庭影响很深。他的父母在1951年离婚，他的母亲在隔年过世。他非常喜欢猫王（亨德里克斯十五岁，也就是1957年，看了9月1日猫王在西雅图Sick's体育场举办的演唱会，两个月后他创作了一幅内容为猫王演奏吉他的水彩画，这幅画在City's Rock博物馆）。亨德里克斯跟他的祖母Nora Rose Moore非常亲近。Nora的父亲是一位自由民，母亲是一位非裔血统的切罗基人[4]。她对Hendrix灌输了强烈的概念，即应该以拥有美国本土印第安人的血统而自豪。
Jimi的祖父母都是歌舞特技演员，他们居住在加拿大不列颠哥伦比亚省的温哥华，那里也是Jimi的父亲Al Hendrix出生的地方。之后Al搬到了西雅图，在那里他结识了Jimi的母亲Lucille Jeter并结婚。在Lucille过世后Al给了Jimi一把夏威夷四弦琴，然后不久又花$5买了一把木吉他给Jimi，从此Jimi Hendrix走上了音乐之路。
演艺生涯
吉米·亨德里克斯于1970年组成《吉卜赛人乐队》，在美国及欧洲作巡回演出。1970年9月16日，即他去世前两天，亨德里克斯于朗尼·史葛在伦敦苏豪区经营的朗尼史葛爵士俱乐部与艾力·波顿作即兴表演，成为他的最后一次公开演出。[5]两天后，他在一家伦敦旅馆死于药物窒息。
亨德里克斯的吉他技术完全是自学，因为他是左撇子，因此将一把右手吉他的琴弦以反向顺序安装，以左手演奏。作为一名吉他手，他受到了像是布鲁斯和节奏布鲁斯的吉他前辈的影响，然后在这些基础上做出了重大创新。影响他的乐手包括布鲁斯吉他手B·B·金，艾伯特·金，巴迪·盖伊，T-Bone Walker，马迪·沃特斯，以及对R&B和灵魂乐做出过卓越贡献的柯提斯·梅菲尔德。另外，亨德里克斯也受爵士乐影响很深；他经常说他个人最爱的乐手是Rahsaan Roland Kirk。
成就与影响
亨德里克斯创造性地发展了传统摇滚吉他和电子布鲁斯的演奏技巧，尽管在他之前的一些艺术家，比如奇想乐团的戴夫·戴维斯和何许人合唱团的皮特·汤申德已经把回授及失真等效果运用于那些急速独奏上，亨德里克斯是第一位把这些电吉他哇音踏板效果器和音箱的回馈与失真吉他放大器反馈，作为其歌曲作品的整体表现手法和带入录音室录制歌曲的吉他手。
身为一位录音室制作人，亨德里克斯也是第一位利用录音室效果，表达其音乐理念的布鲁斯摇滚乐手。显然他是那些最早尝试在录音过程中添加立体声效的制作人之一。另外他也专精于作曲，他的作品在其生前和过世后被许多音乐人重新诠释过。
亨德里克斯具争议性同时也原创性的风格，可以用其在《星条旗》中，用吉他模仿出战争中的声音（包括机熗声，轰炸声以及人们的尖叫声）的激情演奏举例。他对此曲的印象派手法充分描绘出了当时普遍的反美主义潮流，成为了60年代动荡时期的美国社会的内心独白。
汤米·依曼纽
威廉·汤姆斯·"汤米"·依曼纽（澳大利亚贡献勋章获得者）（英语：William Thomas "Tommy" Emmanuel AM，1955年5月31日—）是一名澳大利亚吉他手，他以复杂的指弹风格，充满活力的现场表演，以及在吉他上运用打击乐效果最为著名。在2008年和2010年5月刊的《吉他手期刊》（《Guitar Player Magazine》）杂志中，他获得由读者投票选出的“地表上最强木吉他手”的美称。
生平
汤米1955年出生在澳大利亚新南威尔士州的马瑟尔布鲁克。1959年，在他4岁时，获得了第一把吉他，她母亲教他弹琴，来为她母亲弹的夏威夷吉他做伴奏。7岁时，他在收音机里听到了切特·阿特金斯。他（现在还）生动地记得当时那一刻，并说那（曾）极大地激励了他。
1961年，在他6岁那年，他已经是一名专职的专业音乐家。在认识到了汤米和他的哥哥菲尔的音乐才华后，他们的父亲创建了一支家庭乐队，卖了家里的房子，带着一家人四处旅行。由于一家人住在两辆旅行车上，依曼纽的童年大部分是在和家人一起的巡演中度过的，他弹节奏吉他，并且很少上学读书。他们一家认识到这种四处漂泊的生活的艰难——又穷又饿，总是无法在一个地方安顿下来。他的父亲常常会开车提前到达目的地，以便安排会面和做广告宣传，并寻找那些能够让他们在第二天做即兴演出的当地音乐商店。最终，新南威尔士州教委坚持依曼纽家的孩子需要定期去学校上课。
1966年，在汤米的父亲去世之后，一家人定居在帕克斯。汤米最终搬到了悉尼，在那里，他赢得了一连串的才艺比赛后，逐渐引起全国人们的注意。在70年代后期，他在和他哥哥菲尔共同所在的“淘金”乐团担任吉他手，并为众多唱片和广告词音乐做（工作室、现场）演奏工作。在70年代末，他成为给歌手Doug Parkinson伴奏的乐队——The Southern Star Band的主音吉他手，进一步扩大了汤米的名气。在80年代早期，他加入了阵容重组后的70年代顶尖摇滚组合Dragon，与他们大范围地举行了巡演，包括1987年和蒂娜·透纳的巡演。他后来离开了Dragon并开始了独奏生涯。
在他的整个职业生涯中，与很多著名艺术家一同演奏过，包括切特·阿特金斯，埃里克·克莱普顿，乔治·马丁爵士，空气补给乐队，约翰·丹佛，莱斯·保罗以及多克·沃森。埃里克·克莱普顿，切特·阿特金斯，莱斯·保罗和乔·塞奇尼都曾说过汤米是他们所知道的最好的演奏家。他们的这种说法也证明了汤米的杰出才能。
在1994年汤米成为约翰·法汉乐队的一员。澳洲音乐老炮儿约翰·法汉邀请他参加“为了卢旺达演唱会”（“Concert for Rwanda”），安排他在来自Noiseworks乐队的Stuart Fraser旁边演奏吉他。
汤米和他的哥哥菲尔在2000年的悉尼夏季奥林匹克运动会闭幕式上做过现场演出。当时的电视节目对现场情况进行了全球实况播放。当两个人一起演奏的时候，兄弟俩有时会同时演奏一把吉他，每个人都空出一只手，而用另外一只手配合着弹奏同一把吉他。
2002年10月，汤米受邀参加在华盛顿国家大教堂为印尼峇里岛爆炸案受害者举行的演出，演奏了澳大利亚民谣Waltzing Matilda（此曲被称为“非官方的澳大利亚国歌”）。
由于劳累过度，2007年底他被诊断出有心脏问题，并被要求中断繁忙的巡演日程安排进行强制休息，但是他在2008年上半年他又重新回到了全天候的巡演中。
在2010年1月下旬，因被当月早些时候发生的悲惨的2010年海地地震所触动，依曼纽宣布他将在eBay上拍卖掉他自己演奏并拥有的3把吉他，来为在海地的联合国儿童基金会捐献筹款。
2010年6月，汤米被授予澳大利亚三等勋章——澳大利亚贡献勋章（AM）。
音乐风格
2006年依曼纽在阿拉巴马州伯明翰市的City Stages艺术音乐节现场表演指弹吉他
汤米说过在很小的时候，他就被阿特金斯的那种用拇指弹奏低音部分、同时其他手指弹奏旋律部分的音乐风格所吸引（这种风格有时也被称为特拉维斯拨弦法）。这个技巧，后来成为了汤米的吉他风格的一个要素。
尽管汤米从未受过正规的音乐训练，但他的演奏能力为他赢得了全球无数的乐迷。他在吉他琴体上，表演打击乐部分为大家所熟知。作为一位独奏演奏家，他从不照着给定的乐谱弹奏，并且尽可能少用吉他效果器。值得一提的是他在录制音乐时通常是一次就完成。
他经常使用左手拇指游走在5弦和6弦上的低音音符，抑或只用左手的两根手指在吉他上按出Am小调和弦和E大调和弦（其中一根手指竖直着同时按两根弦）。多数情况下他的右手会使用拇指套，其他时候会用一个普通拨片或仅用手指。
他的主要吉他是一把小琴体的定制款Maton EBG808，这把吉他安装配备了一个拾音器和一个内置电容麦克风。由于这把小个头的琴在不接音箱的情况下音量很小；而连接上音箱之后音量又极大，汤米给它取了个外号叫“老鼠”。他的3把主要舞台演出吉他中的2把，特别是它的签名款D型琴TE1 Maton，在他的过度弹奏和打击乐技巧下，已经被磨薄并破旧不堪。他近期在他的年度音乐节Tommyfest UK (2008)期间的一个讲习班上说过，他所有这3把舞台演奏吉他都损坏过，并且这些年来已经被修过无数次了。
与切特·阿特金斯的合作
汤米在澳大利亚年轻的时候，曾给住在纳什维尔的心目中的偶像切特·阿特金斯写过信。最终阿特金斯用鼓励的话语和过来拜访的长期邀请答复了汤米。
1997年，依曼纽和阿特金斯作为双人搭档录制音乐，并发行了一张名为《The Day Finger Pickers Took Over the World》的专辑，这张专辑也成为阿特金斯在生前最后的一张专辑。
1999年7月的第15届年度切特·阿特金斯爱好者社团（Chet Atkins Appreciation Society，缩写：CAAS）大会上，切特给汤米颁发了“认证吉他手”（Certified Guitar Player, 缩写：CGP）奖，“认证吉他手”奖是阿特金斯颁给吉他演奏家的一项至高荣誉。此奖项的知名度由于有吉他音乐领域广泛被认可的领袖阿特金斯亲自颁发而增强。奖项上面写着：“表彰他对指弹艺术的贡献”。汤米每年7月份都会在纳什维尔的切特·阿特金斯爱好者社团（CAAS）活动中演出。
奖项
与切特·阿特金斯的二重奏曲目《Smokey Mountain Lullaby》曾获得1998年的格莱美乡村器乐表演奖提名，但最后未获奖。他的曲子《Gameshow Rag/Cannonbal Rag》在2007年1月25日周六那天的第35届塔姆瓦斯乡村音乐节上（注：塔姆瓦斯是澳大利亚乡村音乐之都），获得了年度器乐奖。在2007年同一年，汤米获得当年的格莱美最佳乡村器乐表演奖提名。
在2008年和2010年5月刊的《吉他手期刊》（《Guitar Player Magazine》）杂志中，汤米 依曼纽获得由读者投票选出的“最佳木吉他手”称号。
艾迪·范·海伦
艾迪·范·海伦（全名Edward Lodewijk Van Halen，1955年1月26日-2020年10月7日），出生于荷兰，20世纪最杰出的吉他演奏家之一，美国著名重金属乐队Van Halen吉他手，电吉他点弦技术的首创者，影响了无数摇滚吉他手，也是20世纪八十年代整个欧美重金属浪潮的推动者。曾与世界流行天王迈克尔·杰克逊（Michael Jackson）合作作品《Beat It》。
与皇后乐队吉他手Brian May的吉他Red Special一样，艾迪也拥有自制的吉他Frankenstrat。在2012年《Guitar World》评选的百大吉他演奏家中，艾迪成功超越有“吉他之神”美誉的吉米·亨德里克斯，当选最伟大吉他手之一。
2020年10月7日，艾迪·范·海伦因咽喉癌去世，享年65岁。
早年经历
老年EVH
艾迪·范·海伦和他的兄弟Alex出生在荷兰，自小跟随父母移居到美国，并且在南加州定居。他们的父母热爱音乐，在七岁的时候，兄弟俩被送到最好的钢琴教师家学习钢琴，但是当时的Eddie和Alex就已经深深喜爱着摇滚乐。 这个伟大的吉他演奏家拥有的第一把琴，价值70美元。完全凭借自学，他反复练习着自己能听到的一些歌曲，Eric Clapton是影响他最深的吉他演奏家，很快的，Eddie已经能演奏EricClapton的歌中任何一段solo。 此时的Eddie和Alex已经成为不错的乐手，而且也加入过一些乐团……直到最后他们遇到了David Lee Roth和Michael Anthony，而且组成了乐队——Mammoth。但是他们很快发现，已经有另一支乐队叫做Mammoth，因此，在排除了一些主意之后，他们决定使用兄弟二人的姓，来作为名字。就在这时，Van Halen的名字诞生了。
演艺经历
1978年照片
Eddie Van Halen（艾迪·范·海伦）是世界上最受欢迎的吉他演奏家之一，美国著名摇滚乐队Van Halen主音吉他手。他的名字已经到达了吉他世界的顶端。在2012年《Guitar World》发表的一项最新吉他手评选中，Eddie Van Halen（艾迪·范·海伦）被选为有史以来最伟大的吉他手，击败了有着吉他之神之称的Jimi Hendrix（吉米·亨德里克斯）和Queen（皇后乐队）吉他手Brian May（布莱恩·梅）。
与天王合作
《Beat It》是世界流行天王迈克尔·杰克逊（Michael Jackson）与Eddie Van Halen合作作品，在其1982年专辑《Thriller》收录的主打歌曲之一。作为一首摇滚名曲，入围了摇滚名人堂史上500首经典之作之一，同时入围滚石杂志最佳100首摇滚吉他Solo之一，邓丽君、Fall Out Boy等无数艺人都曾经翻唱、演绎过Beat It。
“昆西·琼斯（Quincy Jones ）打电话给我让我为这首歌伴奏。当我去到录音室，只花了15分钟重新编排歌曲，弹奏了两段solo，并让他们选择他们最喜欢的一段。然后迈克尔走了进来，他说'哇，我真的很喜欢那段高速solo。录制这首歌曲有很多乐趣。花了很短的时间做出的东西能够达到超出你想像的效果，真是疯狂。”
此曲由杰克逊亲手作词、作曲、编曲，并演唱，后经时任美国总统的里根的建议，将这首歌用在一个劝导禁止酒驾的公益广告中。杰克逊本人也因此被里根总统邀其至白宫，亲自为其颁发了“世界杰出青年奖”以及“特别贡献奖”。同时杰克逊也凭借《Beat It》这首歌获得了第26届格莱美最佳摇滚男歌手。这首歌曲的音乐录影带的设计与拍摄更是跨世纪的，可谓旷世奇作，广受好评。
2012年，在《Guitar World》评选的百大吉他演奏家中，艾迪·范·海伦击败了皇后乐队的吉他手Brian May、Rush乐队的Alex Lifeon 和“吉他之神”Jimi Hendrix（吉米·亨德里克斯）等众多吉他手名列首位。
主要作品
《Beat It》、《Eruption》、《Ain't Talkin' 'Bout Love》
史提芬·范
史提夫·范（英语：Steve Vai，1960年6月6日—）是美国摇滚吉他手、作曲家、歌手、制作人、养蜂者及演员。其职业始于1980年为弗兰克·扎帕编曲，1984年开始其吉他事业，至2009年已经发表了14张的个人演奏专辑。除了与弗兰克·扎帕的合作之外，他也与Alcatrazz、David Lee Roth、Whitesnake等人（乐团）录制专辑并巡回。自1996年以来，他经常参与乔·沙翠亚尼的G3演奏。其作品《For the Love of God》在《吉他世界》杂志被读者投票为一百首最佳吉他独奏中的第29首。史提夫·范与前Vixen贝斯手Pia Maiocco结婚，育有两个小孩。
生涯
70与80年代
在1974年，史提芬·范向吉他手乔·沙翠亚尼学习吉他，并在很多的当地乐团演奏，其中有一个以他的名字来命名——The Steve Vais。 他被认为受到许多吉他手的影响，包括Jeff Beck及融合爵士吉他手Allan Holdsworth。 借由进入柏克理音乐学院并且结业，他学到了不少，之后录了一些作为履历（afterwards recording a promotional piece for them）在20岁参加弗兰克·扎帕的试听。
后来他寄给弗兰克·扎帕一份弗兰克·扎帕的The Black Page誊本，这是一首写给鼓的演奏曲，还有一卷他的吉他演奏录音带。 Zappa讶异于这位年轻的吉他手的能力，于是在1979雇用他来誊录许多他的吉他独奏桥段，包括Joe's Garage专辑以及Shut Up 'n' Play Yer Guitar系列，这些都被发表在1982年的The Frank Zappa Guitar Book。
也因为受到Zappa赏识的关系，后来他被雇用为一个乐谱誊录者；还有在弗兰克·扎帕的You Are What You Is这张专辑许多部分弹奏吉他。此后他成为一个正式（full-fledged）的乐团成员，并在1980年的秋天进行第一次与弗兰克·扎帕的巡回演唱，其中一个早期的演唱会录音纪录在Buffalo专辑内，在2007年释出。当与弗兰克·扎帕巡回时，他有时候要求观众给他带一些乐谱过来，看他是否能当下做出良好的即兴演奏。在1993年Zappa's Univers中，弗兰克·扎帕说他是little Italian virtuoso，而且唱片封套写着，他将会成为一个有特色的艺术者因那些“惊技吉他”及“不可能的吉他桥段”。 在2006年，他当弗兰克·扎帕的儿子Dweezil Zappa的巡回Zappa Plays Zappa中 的一个特别来宾，演奏弗兰克·扎帕的音乐，旁边还有许多弗兰克·扎帕在世时的伙伴。
在1982年离开弗兰克·扎帕之后，他搬到加州，录制了他的第一章个人专辑 Flex-Able并且待在两个乐团表演。 1985年，他取代了Yngwie Malmsteen在 Graham Bonnet的乐团Alcatrazz 的主奏吉他手位置并录制Disturbing the Peace专辑。后来他加入了 Van Halen前主唱 David Lee Roth的SuperBand录制Eat 'Em and Smile与Skyscraper两张专辑，这大大的增加他在摇滚界的能见度，因为Roth在Van Halen的乐团里的知名度使Vai让很多评论家拿他来与Eddie Van Halen比较。
在1986年与前 Sex Pistols主唱 John Lydon的 Public Image Ltd乐团专辑“Album”也使大家极为震惊。1989年，加入了 Whitesnake乐团顶替 Vivian Campbell的位置，但是在Adrian Vandenberg弄伤手腕之后，只好让他来完成 Slip of the Tongue这张专辑主奏及节奏吉他两部分。他也在 Alice Cooper的专辑 Hey Stoopid中的一首歌Feed my Frankenstein与乔·沙翠亚尼演奏。
自1987年开始，他已经使用他的代言吉他Ibanez JEM系列。
90与00年代
他持续进行巡回，还有与唯一的老师兼朋友乔·沙翠亚尼在G3演出。 David Lee Roth和 Mr. Big BASS手Billy Sheehan也有加入。在1990年，释出广为好评的专辑 Passion and Warfare。
歌曲For the Love of God在Guitar World杂志里面被读者投票为一直以来100首最棒的吉他独奏曲第14名。
在1994年，开始参与Ozzy Osbourne的作曲与录音工作，但只有一首歌My Little Man在这段时间被收录于Ozzmosis专辑中，尽管他写了这首歌，但他却没有出现在这张专辑的名单上面。后来他的位置被Zakk Wylde取代。Vai个人乐队的成员在90年代有鼓手Mike Mangini、吉他手Mike Keneally和贝斯手Phillp Bynoe。在1994年，他因Frank Zappa的Zappa's Univers专辑中的歌曲Sofa而得到格莱美奖。
2002年的7月，Vai在日本的Suntory Hall与东京交响乐团表演一首由作曲家Ichiro Nodaira所写名为Fire Strings的电吉他协奏曲。
2004年，Vai在荷兰与Metropole管弦乐团表演许多首他的作品和管弦编曲版本，包含一些先前的录音作品，名为The Aching Hunger。 2003年，鼓手 Jeremy Colson加入Vai的乐团，取代先前鼓手Virgil Donati，Sound Theories这张专辑在2007年发行。
2001年12月，推出一张演奏DVD名为Live at the Astoria London，阵容有贝斯手Billy Sheehan、吉他兼键盘手Tony MacAlpine，吉他手Dave Weiner与鼓手Virgil Donati。
2005年二月，Vai初次表演一首双吉他（古典及电吉他）演奏曲，名为The Blossom Suite，与古典吉他手Sharon Isbin在巴黎的Châtelet Theatre 合作。2006年，担任Frank Zappa的儿子Dweezil Zappa所举办的Zappa Plays Zappa这场巡回中Zappa Band的特别来宾，在欧洲与在美国十月底及冬季时举行，其他特别来宾有鼓手Terry Bozzio、吉他手兼歌手Ray White以及萨克斯风手兼歌手Napoleon Murphy Brock。
2006年9月21日，在加州好莱坞的Video Games Live演奏会特别演出，与Hollywood Bowl Orchestra演奏了两首歌，Halo主题曲及Halo 3预告的曲子。
Vai在2007年4月28日在ExCel中心在 London Guitar Show 2007表演。在该年四月底证实要在6月26日发行他最近的录音作品，名为Sound Theories。这是张双CD专辑，由Vai重新编辑为管弦乐版本并演奏，Vai说这个是一个非常有趣的计划，因为他认为他比起当吉他手，编曲家更适合他，而且他很高兴看到他看到他编的曲子被管弦乐团演出得这么好，DVD一直到隔年才发行。他在Dream Theater的专辑Systematic Chaos中的歌曲Repentance担任客串，而这次是以歌手的角色出现，这首歌由许多演奏家合力完成，要向他们生命中重要的人为他们过去所犯的错误而道歉。
Vai开始进行Where the Wild Things Are 在CD、DVD、和蓝光光碟在2009年9月29日的发行，这是一场在2007年于Minneapolis State Theater的现场纪录。
